Allright. Nun sind wir also am Ende dieser unfassbar fantastischen und witzigen Serie angelangt. Um euch mal die Übersicht zu bieten: Hier geht es zur Staffel 1 (da findet ihr auch die Übersicht über das komplette Franchise) und hier zur Staffel 2. Tatsächlich wurden die beiden Staffeln von mir bei "Film der Woche" und nicht bei "My Favorite TV-Show" reviewt. Aber das ist jetzt halt so. Wenigstens sind all diese Review im SHOCKTOBER erschienen und das passiert hiermit auch. Here we go...
Diesmal sind tatsächlich große, sehr sehr große Dinge am laufen. Der Schauplatz der Serie ist zum Teil das Weiße Haus. Zunächst mal ein Fun Fact: Devon Sawa (genau der Stan aus Eminems "Stan") spielt hier gleich drei Personen: den Präsidenten der USA James Collins, einen gewissen Randall Jenkins und in einer Szene auch Jake Wheelers (Zackary Arthur) Vater Lucas. Die Familie des Präsidenten hat vor kurzem einen sehr tragischen Tod erlebt. Henry Collins der jüngere Sohn, gespielt von Callum Vinson) ist traumatisiert weil sein jüngerer Bruder Joseph vor kurzem an Krebs gestorben ist. Sein älterer Bruder Grant (Jackson Kelly) verarbeitet das auf eigene Weise und stellt sich mit TikTok (oder so) voll ins Rampenlicht. Genau diesen Umstand eines traumatisierten Kindes nutzt Chucky (Brad Dourif) um ins Weiße Haus zu kommen. Unterstützt wird er dabei von Caroline Cross (Carina London Battrick), Lexys (Alyvia Alyn Lind) Schwester die inzwischen mit ihm gemeinsame Sache macht und seine Begleiterin geworden ist. Doch warum musste die Puppe unbedingt ins Weiße Haus kommen? Nun, Chucky wird sichtbar alt. Scheinbar ist die Voodoo Magie, womit der Serienmörder überhaupt als Puppe wiedergeboren wurde irgendwie verseucht worden. Sein Körper altert rapide und er braucht ein richtiges schönes, blutiges Voodoo-Ritual mit mindestens einer Ficktonne an Toten um sich "wiederherzustellen" bzw. den Voodoo-Gott Dambala zu "besänftigen". Als Devon (Björgvin Arnarson), Lexy und Jake im Fernsehen sehen, dass Chucky nun Henrys Spielzeug ist, beschließen sie ihn endlich(!) ein für alle mal (!) zu stoppen. Dafür müssen sie allerdings ins Weiße Haus gelangen.
Das nenne ich mal ein Abschluß. Ein Abschluß, weil die Serie danach nicht fortgesetzt wurde. Das heißt also, dass die Reihe demnächst, irgendwann, wohl als Film fortgesetzt wird. Es endet (wie so oft) mit einem Cliffhanger, sodass man alles fortsetzen kann - oder auch nicht. Ich war ehrlich gesagt etwas vorm Kopf gestoßen weil ich irgendwie, naiverweise, wollte dass es endlich mal ein Ende hat. Doch natürlich kommt es anders und es gibt kein "Happy End", wie man es sich als geistig gesunder Mensch so vorstellt. Keine Ahnung. Ich finde man schafft es hier sehr gut, etwas komplett over the top zu gestalten (eine Puppe die als Körper für die Seele eines Serienmörders dient, die die Macht über den Atomknopf hat) und gleichzeitig sehr "realistisch" (eine Puppe die versucht ein Kind zu manipulieren und seine Trauer ausnutzt). Sehr witzig finde ich nach wie vor diese Parodie der ganzen Geschichte über "Multiversen" bzw. "Varianten". Das sind meine absoluten Highlights hier. Brad Dourif spielt nicht nur Chucky in seinen verschiedenen Gestalten (unter anderem als sein älteres selbst). Nein, es gibt hier auch verschiedene Varianten von Chucky in menschlicher Form. Und mein allergrößtes Highlight hier ist tatsächlich Jennifer Tilly die Tiffany Valentine spielt die im Körper von Jennifer Tilly lebt. Es ist so absurd und höllisch amüsant. Schauspielerisch eine wirkliche Meisterleistung.
Hallo und herzlich willkommen zum mittlerweile SIEBENUNDHUNDERTSTEN "Film der Woche" auf diesem Blog. Wir befinden uns bekanntlich im Horrormonat Shocktober. Darum habe ich mir gedacht, ich könnte dafür ein Franchise hier wieder reinbringen, dass ich unbedingt weiter gucken wollte. Und zwar das über den einen Nerd der in toxische Abfälle gefallen ist und zu einem mutierten Superhelden wurde. Es gibt ja auch einen neuen Film und den würde ich euch gerne vorstellen. Aber zuerst die anderen Sachen: Wir kennen ja den ersten, den zweiten und den dritten Teil. Bevor wir mit dem vierten und den Remake weiter machen geht es allerdings erst los mit:
Toxic Crusaders, S1E1: "The Making Of Toxie" (1991)
So wie gefühlt jede Filmreihe, die eher an Erwachsene gerichtet war - oder zumindest über Erwachsenenhumor verfügt hat, hat auch "The Toxic Avenger" eine Zeichentrickinterpretation bekommen. Ganz in Tradition von Swamp Thing, Rambo, Robocop oder später auch Die Maske, Ace Ventura und Dumb & Dumber. Diese Version von Toxie ist definitiv an Kinder gerichtet, allerdings finden sich hier auch Witze, die Erwachsene lustig finden könnten, die Kinder nicht verstehen. Es bleibt aber sehr sehr harmlos.
Die erste Folge ist im Grunde genommen eine Art Neuerzählung des Films. Der schmächtige jugendliche Melvin, der als Putzhilfe in einem Fitnesszentrum arbeitet wird Opfer von einem Prank und fällt in ein Fass mit toxischen Abfällen. Daraufhin verwandelt er sich in a) eine ältere Frau, b) einen schrecklichen Hollywood-Produzenten und dann c) in Toxie, wie man kennt und liebt. Als er zuhause
ankommt, fällt seine Mutter wegen seines Anblicks in Ohnmacht. So beschließt er auf die Müllhalde umzuziehen, wo er später die kurzsichtige Yvonne kennen lernt. Die beiden verlieben sich ineinander. Sie spricht mit einem Brooklyner Akzent und spielt Akkordeon. Der Bösewicht in der Serie ist nicht der korrupte Bürgermeister sondern eine Art außerirdischer Overlord mit vier Armen namens Czar Zoster, der mithilfe seiner Gehilfen Tromaville zu einer toxischen Müllhalde machen will. Toxie muss schnell den Helden spielen und beschützt auch Waisenkinder. Czar Zoster will nämlich das Heim abreissen und fängt an, die Kinder rauszuschmeißen. Er wird bei der Rettung von den Medien aufgenommen und berühmt. So werden andere Mutanten auf ihn aufmerksam und am Ende der Folge gründen sie gemeinsam eine Gruppe, um das Verbrechen und Umweltverschmutzung zu bekämpfen. Aus Toxie, Major Disaster und No-Zone werden die Toxic Crusaders.
Was soll ich sagen? Ich habe selten (nach Rambo natürlich) gesehen, wie ein Film für Erwachsene so perfekt kindertauglich gemacht wird. Toxies Stimme ist sehr sanft und freundlich. Es gibt in der ersten Folge bis auf Yvonne keine nennenswerten Nebencharaktere (okay vielleicht Melvins besorgte Mutter). Außer natürlich die Bösewichte und die anderen Crusaders. Sie sehen nämlich fast so aus als hätte sie jemand bei einer ordentlichen Runde Alkohol und anderen Drogen ausgedacht. Ganz vielleicht um sie später zu Action Figuren zu machen. Also, eigentlich sehr sicher. Ich meine, es war so. Im Prinzip ist "Toxic Crusaders" ein ellenlanger Werbespot für Actionfiguren. Und natürlich werden in der Serie noch weitere Verbündete (vielleicht?) und verschiedene Bösewichte vorkommen, die man allesamt als Actionfiguren verwursten kann. Also, so wie bei den Turtles oder G.I.Joe oder Thundercats oder He-Man oder Street Sharks oder Extreme Dinosaurs.
Fazit: Spaßig, mehr aber auch nicht.
7/10 Pfandflaschen
Intro:
Citizen Toxie: Toxic Avenger IV (2000)
Nun sind wir also am Ende der ursprünglichen Reihe angelangt. Falls ihr euch nicht erinnern könnt, was im letzten Teil passiert ist, so klickt hier.
Wir befinden uns wieder in Tromaville. In letzter Zeit terrorisiert eine Gang namens "Diaper Mafia" die Stadt. Natürlich ist es eine Anspielung auf die "Trenchcoat Mafia" und selbstverständlich wird in den Nachrichten besprochen ob Metal, Rap Musik oder Videospiele Schuld seien. Diesmal überfallen sie eine Schule für "besondere Kinder". Die in Windeln gekleideten Ekelfreds nehmen Kinder und Lehrer als Geiseln. Kurze Zeit später taucht der Toxic Avenger (David Mattey), verkleidet als Frau im Bikini. Zusammen mit seinem Sidekick Lardass (Joe Fleishaker) auf und versucht die Situation zu entschärfen. Naja, eigentlich reißt er Eingeweide aus und vermöbelt die meisten Idioten. Doch einer von den Spinnern (der in Wirklichkeit der Sohn eines neo-nazistischen Polizeibeamten ist und mit ihm zusammenarbeitet) hat eine Bombe, die er droht zu zünden. Lardass isst die Bombe mit Erdnussbutter auf, sie explodiert und alles scheint irgendwie im arsch aber halbwegs okay zu sein. Toxie hat ein Mädchen namens Sweetie Honey (Lisa Terezakis) und einen rebellischen Teenager namens Tito (Michael Budinger) gerettet. Die Explosion eröffnet allerdings ein Tor in eine andere Dimension, sodass Tromaville mit dessen Zwillingsstadt Amortville verbunden ist. So kommt Toxies Doppelgänger aus der anderen Dimension nach Tromaville. Sein Name ist Noxie und er ist ein Drogendealer der Amortville in Schach hält. Er ist ein Tyrann. Toxie gelangt nach Amortville und versucht dort mit noch mehr illustren Gestalten zu recht zu kommen. Währenddessen verlagert Noxie seine Schreckensherrschaft nach Tromaville und tut sich mit dem Nazi-Polizisten zusammen. Sie arbeiten daran, den hiesigen Bürgermeister (Ron Jeremy, bah) zu stürzen.
Nachdem ich schon so einige Troma Productions gesehen habe, war ich der Meinung, dass das alles zwar schon Bonkers ist, aber es noch mehr Bonkers gehen kann. Toxic Avenger 4 ist definitiv noch mehr bonkers. Man macht sich über alles und jeden lustig. Einerseits erscheint der Film so, als würde er sich über geistig Behinderte lustig machen, doch dem ist nicht so. Er zeigt viel mehr, dass ein Teil der Gesellschaft diese Menschen immer noch verachtet und nach außen so tut als wären sie "besonders". Nazis kriegen aufs Maul, KKK-Männer auch. Man zieht die Berichterstattung über Amokläufe durch den Kakao. Es gibt viel, sehr viel, Kunstblut, Kunstgedärme, Nacktheit, Gewalt und Scheiße zu sehen als auch sehr viele böse Schimpfwörter zu hören. Oh und Lemmy taucht auf. Habe ich das schon gesagt? Lemmy hat zwei kurze Cameo-Auftritte. Jedenfalls übertrumpft der vierte Teil den vierten noch mal in Sachen Absurdität. Aber er ist kaum zu vergleichen mit dem ersten, der noch so was wie eine düstere Komponente hatte. Ich hatte trotzdem unglaublichen Spaß daran.
7,5/10 Pfandflaschen
Trailer:
The Toxic Avenger (2023)
Nun sind wir also am Ende des Franchises angenommen. Chronologisch betrachtet ist das also der bis jetzt letzte Film der TA-Reihe. Rausgekommen im Jahre 2023 auf irgendeinem Filmfestival (hab den Namen vergessen) und 2025(?) dann endlich auf DVD. Ich durfte mir das Ganze zuhause reinpfeifen. Geil.
"The Toxic Avenger" ist keine "Fortsetzung nach Jahren" sondern ein Remake des ersten Films. Dieser macht zwar gewisse Anspielungen auf das Original, ist aber stellenweise wesentlich ernster und bietet eine doch etwas andere Origin Story von Toxie. Diesmal geht es um den Hausmeister Winston Gooze (Peter Dinklage), der bei einem Pharmaunternehmen namens BTH arbeitet. Dieses verkauft sich nach außen als ein familienfreundliches, Fitness- und Gesundheitsförderndes Unternehmen. In Wirklichkeit ist BTH verantwortlich für unfassbar viel Umweltverschmutzung und diverse andere Dinge. Eine ehemalige Angestellte des Unternehmens, J.J. Doherty (Taylour Paige) trifft sich mit einem Investigativ-Journalisten um ihm gewisse geheime Informationen zu übermitteln. Dieser wird allerdings von der als Killer engagierten Nu Metal Band "The Killer Nutz" umgebracht. J.J. ist daraufhin flüchtig und wird fieberhaft von BTH gesucht. Winston hingegen lebt alleine mit seinem Stiefsohn Wade (Jacob Tremblay), nachdem dessen Mutter an Krebs gestorben ist. Bei einer ärztlichen Untersuchung findet man raus, dass Winston eine tödliche Krankheit hat. Er sucht Hilfe beim CEO von BTH, Bob Garbinger (Kevin Bacon), doch diese wird ihm verwehrt. So beschließt er einzubrechen und Geld zu stehlen. Allerdings wird er von den Killer Nutz umgebracht, die eigentlich hinter J.J. her sind und landet in einem Bottich mit giftigen Schlamm. Daraufhin verwandelt er sich in ein Monster, dass ein Mopp mit radioaktiven Schlamm als Wafffe benutzt (Luisa Guerreiro). Der Toxic Avenger ist nun geboren. Kurze Zeit später tun sich Winston/Toxie mit J.J. zusammen um BTH endlich zur Strecke zu bringen.
Zu den üblichen Themen Umweltschutz und Korruption kommen noch andere, die damals schon aktuell waren und es heute leider immer noch sind. Armut und die Unfähigkeit sich finanziell abzusichern, auch krankenversicherungstechnisch. Dazu kommt noch eine wesentlich realistische Darstellung eines awkwarden, unsicheren Teenagers der mit der Situation (Tod seiner Mutter und Leben mit Stiefvater) nicht wirklich zu recht zu kommen scheint. Dann natürlich der besagte Stiefvater der irgendwie der Meinung ist, dass alles okay ist, aber tief im Inneren weiß, dass es doch anders ist. Die Panik, als er erfährt dass er todkrank ist. Das ist alles ziemlich ernst. Ziemlich sehr ernst. Die over-the-top-Elemente die hier dazu kommen sind zwar nicht so over-the-top wie beim Original aber doch ziemlich over-the-top. Es ist, meiner Meinung nach, eine Art Dramedy mit Horrorelementen. Diese Nu Metal Band/Killerkommando von Mutanten ist einfach großartig lustig. Ebenso lustig ist es wie hier Arme und Beine abgerissen werden, Gedärme durch die Gegend fliegen oder Köpfe mit dem radioaktiven Mopp zerschlagen werden. Es ist herrlich witzig ohne jedoch zu trashig zu werden. Im Gegensatz zu "Citizen Toxie" gibt es hier keine übermäßige Nacktheit und keine Fäkalien (zumindest nicht in dem Ausmaß). Es ist im Grunde genommen eine "erwachsenere" Version von Toxic Avenger, die jedoch trotzdem zu unartig fürs normale Kino ist. Ich habe mich köstlichst amüsiert und hoffe doch auf eine vernünftige Fortsetzung.
Allrighty then. Die jährliche "Treehouse of Horror"-Ausgabe wird also mit der Ausgabe#16 ganze 16 Jahre alt und darf Bier trinken aber noch keine Zigaretten rauchen.
Diesmal haben wir es zuerst mit dem großartigen Evan Dorkin zu tun. Bekannt unter anderem für "Hectic Planet" oder "Milk and Cheese". Die erste Story wurde von ihm geschrieben und gezeichnet - und zwar in durchaus üblichen Simpsons-Stil. Bis auf die Gore-Elemente, die sind definitiv Dorkin-Style. Die Story heißt "I Screwed Up Big-Time and Unleashed the Glavin on an Unsuspecting World! ...I Totally Saved the Earth's Butt and Made the Glavin Cry Like a Little Wuss!". Darin nahm die Springfielder Schule teil an einer Exkursion in Professor Frinks Labor. Dieser präsentierte seine neueste Erfindung. Eine Art intergalaktisches Telefon, das in der Lage war andere Zivilisationen zu erreichen. Leider hat es ein Monster von einem anderen Planeten erreicht - das Glavin heißt. Glavin ist gleichzeitig eines der vielen Geräusche die Professor Frink von sich gibt. Neben Flavin oder Ga-Hoy. Ich finde das so anstrengend zu lesen, ehrlich gesagt. Jedenfalls kommt dieser Kaiju-Riese in Springfield an und fängt an alles zu zerstören und zu töten was sich ihm in den Weg stellt. Es überlebt so gut wie keiner und nichts kann ihn aufhalten. Nicht mal die geheimen übergroßen Family-Guy-Klone. Es ist saukomisch und furchterregend. Trotzdem muss ich sagen, dass der Gore-Faktor bei den Treehouse of Horror Comics definitiv gestiegen ist und es etwas unangenehm ist zu sehen, wie Cartoon-Figuren wie Lisa, Marge oder Homer totgetrampelt werden. Der Zynismus hier ist schon recht hoch - auch wenn der Ausgang der Geschichte durchaus cartoony ist. Dorkin bedient sich zudem an dem Stil des großartigen Jack Kirby. So sehen wir die typischen Kirby-Punkte, die bei der Teleportation von Glavin um ihn herum auftauchen.
"The Coff-Diddly-Offin" von Kelvin Mao (Story) und Kelly Jones (Zeichnungen) erzählt von den Versuch Ned Flanders seinen Sohn Todd wieder zu beleben. Leider hat Homer Simpson sein Defibrillator geklaut um sich damit einen Monte-Cristo-Sandwich zu machen. Todd stirbt und Flanders beschließt Homer eine Lektion zu erteilen. Er erschafft ein Gerät, das in der Lage ist Menschen lebendig zu konservieren/zu töten. Homer wird von ihm überzeugt, dass es sich um eine Art Food Machine handelt die übergeile Donuts macht. So besorgt Homer Donuts, überfährt auf dem Rückweg aus Versehen Ned und fällt aus Versehen in die Maschine hinein, die ihn mit Donuts vollstopft und sich selbstständig zum Friedhof macht. Homer wird vollgestopft mit Fett und lebendig begraben. Naja, keine wirklich neue Idee. Die Zeichnungen gefallen mir nicht wirklich. Sie haben was eklig-abstraktes an sich, aber nicht auf die gute Art.
"Tell-Tale Bart" von Peter Kuper: Bart Simpson macht diesen ekligen Trick mit dem Augenlid. Nur dass Nelson ihm ein Wedgie verpasst und das Augenlid so bleibt. Nelson droht Bart nun mit Konsequenzen. Wenn er Rektor Skinner erzählt, wer ihm das Auge verunstaltet hat und den Atomic Wedgie verpasst hat, bringt er ihn um. So wird Homer in die Schule bestellt - der zuvor eine diebische Elster durch das Springfield AKW gejagt hat, weil sie ihm ein Donut geklaut hat. Nachdem er seinen Sohn sieht bildet er sich ein, sein riesiges geschwollenes Auge wäre ein Donut. Kurze Zeit später fliegt die Elster (oder viel
eher eine Krähe) ins Haus herein, bringt den (radioaktiven) Donut mit und lässt ihn in Homers Bier fallen. Dieser wird nach dem Konsum verrückt und jagt den Vogel durch das Haus. Als er dann Bart gewürgt hat, weil ihn sein Auge gestört hat, hilft er den Jungen aus Versehen. Das Auge ist wieder normal. Doch Homer ist so von der Radioaktivität beeinflusst, dass er den Jungen tötet und seinen Leichnam unterm Boden begräbt. Er bildet sich aber daraufhin ein, als Chief Wiggum kurz zu besuch ist (um die Toilette zu nutzen), das Lachen des Jungen zu hören. Er kriegt außerdem noch Besuch von Usher (den R&B-Sänger). Und überhaupt ist das hier eine Anspielung auf diese Kurzgeschichte von Edgar Allan Poe - und nicht die einzige in der Story. Sehr sehr sehr merkwürdig und super hastig erzählt. Irgendwie witzig und skurril. Leider endet alles in einem mehr als offenem Ende, dass den Leser nicht wirklich befriedigt. Also mich zumindest nicht. Der Stil ist durchaus cool und nah am Original-Stil der Simpsons. Storytechnisch habe ich allerdings leicht den Eindruck, man würde versuchen, so viele Shockelemente reinzubekommen um möglichst verstörend zu wirken, sodass man am Ende vergisst ein richtig gutes Ende zu schreiben. Aber spaßig wars immerhin.
"Homer goes to Hell!"! Erdacht von Lemmy Kilmister (ja, genau den), geschrieben von Tom Peyer und gezeichnet von Tone Rodriguez. Homer passt auf Bart und Milhouse während Halloween auf. Soll heißen: Er betrinkt sich bei Moe's während die beiden draußen gekleidet als Fall Out Boy und Frankensteins Monster auf ihn warten. Moe beschwert sich, dass seine Stammkunden zu Feiertagen zu wenig trinken (wegen Familie und so) und in diesem Zusammenhang beschließt Homer ziemlich betrunken doch nach Hause zu gehen. Auf dem Weg dorthin trifft er auf Maggie, die Fangzähne und Flügel hat. Zuhause angekommen stellt er fest, dass Marge tot ist und in einem Sarg liegt. Plötzlich geht die Tür auf und Bart in Begleitung von Lemmy sind da. Lemmy erklärt Homer, dass der Mythos Rockmusiker seien alle Satanisten tatsächlich stimmt. Er schickt ihn in die Hölle, wo unter anderem Adolf Hitler, Kaiser Wilhelm und Saddam Hussein gefoltert werden. Homer hat riesige Angst, nie wieder nach Hause kommen zu können. So bringt ihn Lemmy dazu, einen Vertrag zu unterschreiben (im Grunde einen Standartplattenvertrag). Er kriegt seine Seele und Homer kriegt sein normales Leben wieder. Eine relativ kurze Story, die genauso kurz den kommerziellen Geist des Halloween "kritisiert" und sich über das Satanistenklischee in der Rockmusik lustig macht. Der Gastauftritt von Lemmy (als auch Mikkey Dee und Phil Campbell, also den Rest von Motörhead) ist weder zu aufgeblasen noch zu kurz geraten, also genau richtig. Insgesamt also eine kurze, durchaus spannende Geschichte die aber genauso zynisch und makaber endet, wie alle anderen auch. Also, so wie die früheren "Treehouse of Horror"-Episoden der Serie.
Vielleicht nicht die allerbeste aller "Treehouse of Horror"-Ausgaben aber durchaus eine, die sich sehen lässt. Meiner Meinung nach.
Hallo und herzlich willkommen zu einem weiteren traditionsreichen "Album der Woche" bei "..,klar"! Tatsächlich gehen mir langsam die Ideen aus und ich weiß nicht, welches CoF-Album ich nächstes Jahr reviewen soll. Oder viel eher gehen mir nicht die Ideen aus, sondern die guten Alben der Band. Naja, jedenfalls habe ich den ganzen Blog abgesucht und habe festgestellt, dass...ich das erste Album bis jetzt hier gar nicht thematisiert habe. So ein Ding aber auch.
"The Principle Of Evil Made Flesh" ist das Debütalbum von Cradle Of Filth und tatsächlich sogar noch das Album welches von der damaligen Black Metal Szene noch irgendwie akzeptiert wurde. Im Gegensatz zu späteren Auswürfen von Dani Filth und seinem Besetzungskarussell an Band, das immer wieder als "untrve" verrissen wurde. Was wir auf "Principle" (wie ich das Album von nun an nennen werde) zu hören kriegen ist tatsächlich lupenreiner Black Metal, beeinflusst von der zweiten Welle an skandinavischen Bands als auch teilweise der ersten Welle. Im Grunde genommen also das BM-Paket was man als Jugendlicher so hört: Bathory, Venom, Celtic Frost, Emperor, Mayhem. Man versucht allerdings aus dem satanischen Image des Genres auszubrechen indem man das Thema "Satanismus" rein textlich eher so im Vorbeigehen nebenbei erwähnt. Textlich war das durchaus etwas neues. So klingen sowohl die Songtitel als auch die Texte wesentlich "romantischer" oder "gothischer" und werden trotzdem hingeschrien, hingekrächzt und hingegrunzt. CoF greifen auch auf Zitate von Hegel und englischen Poeten Swinburne. Thematisch bezieht man sich auf verschiedene Mythologien, zum Beispiel die ägyptische. Weiterhin geht es um den ziemlich christlichen Aspekt des "weiblichen Bösen". Wenn Gott ein Mann ist, so muss der Teufel eine Frau sein. Ein ziemliches durcheinander an Mythologien also. Lilith, Bastet, Ishtar, Eva... Die Songtitel bleiben kryptisch und äh "romantisch". "The Forest Whispers My Name", "Of Mist And Midnight Skies", "One Final Graven Kiss". Dazu noch kommt noch Keyboard-Tüdülü und eine entweder mit Schwefelhexafluorid oder technischen Hilfsmittel verstellte Stimme.
Ganz ganz wildes und durchaus punkrockiges, DIY-mäßiges Album. Selbst das Albumcover ist ein Stockfoto aus dem Repertoir des Photographen Nigel Wingrove. Im Gegensatz zu einigen späteren Alben der Band ist "Principle" noch gar nicht "zusammengeklatscht" oder "zusammengeschmissen". Es ist alles andere als lieblos sondern durchaus ein Werk, bei welchem man merkt dass hier irgendein Grundkonzept besteht. Grandios. Und das Keyboard-Tüdülü. Das feier ich sehr.
8,5/10 Pfandflaschen
Anspieltipps: A Dream Of Wolves In The Snow, Of Mist And Midnight Skies, The Forest Whispers My Name
"Über Fliehende Stürme könnte man Bücher schreiben. Das 2011
erschienene Album „Warten auf Raketen“ hat mich in der einen oder
anderen depressiven Episode begleitet. Ob das gut war? Schwer zu
sagen, aber immerhin bin ich noch da, um davon berichten zu können.
Und ich finde, das ist es, was Fliehende Stürme ausmacht: inmitten
all der Hoffnungslosigkeit, die in den Liedern thematisiert wird,
motiviert sie doch zum Weitermachen. Und von genau diesem Gefühl von
Stillstand handelt der fantastische Song „Netzte“."
Philipp:
"Wie sehr ich den Output von Andreas Löhr liebe, klang ja sicherlich in den Chaos-Z-Reviews bereits durch. Fliehende Stürme ist für mich persönlich eine der konsistentesten und prägendsten deutschen Punkbands, dieser einzigartige, düstere Stil, diese großartigen Texte zwischen völliger Verzweiflung und einem Fünkchen Hoffnung. "Warten auf Raketen" ist sicherlich nicht mein Lieblingsalbum der Band, aber auch der spätere Output kann sich durchaus sehen lassen. Einfach eine Band, die nie enttäuscht und nie auch nur einen Funken an Energie und Dringlichkeit verloren hat."
Gregor:
Alles klar, das Lied heißt tatsächlich "Netzte". Ich dachte, die ganze Zeit es wäre irgendwie ein Rechtsschreibfehler. Das erste Mal und tatsächlich das einzige dass die Stürme hier vorkommen. Meiner Meinung nach sind sie eigentlich schon kein Deutschpunk mehr sondern irgendwas zwischen Deutschpunk und Death Rock bzw. irgendwas undefinierbares aus der dunklen Goth-Schublade. Eine Band, die ich tatsächlich sehr gerne höre - allerdings inzwischen viel zu selten. Aber wenn ich sie höre, dann ebenso gerne wie ChaosZ (also so wie sie hießen, bevor sie sich in Fliehende Stürme umbenannt haben). Aus dem Album "Warten auf Raketen" von 2011, dass ich so gar nicht auf dem Schirm hatte. Ich glaube, ich sollte mal irgendwann entweder die komplette Disco oder so ein Erstes/Letztes Album-Vergleich hier machen. Das wäre ganz spannend. Was hier sehr gut miteinander funktioniert ist dieser minimalistische, monotone Gitarren/Schlagzeugstil der nach Traurigkeit klingt als auch die markante Stimme von Andreas Löhr. "Es hat sich nichts verändert, es hat sich nichts verändert, es hat sich nichts verändert, du hängst fest - in diesem Netz". Was für ein großartiger Move: Immer wieder einen Satz zu wiederholen um zu zeigen, dass sich nichts verändert hat. Es geht um einen ergreifenden, monotonen Stillstand, der einfach nicht aufhören will. Der ganze Song ist so monoton und verändert sich kaum. man könnte wirklich nicht besser einen Song über Monotonie und Stillstand kreieren. Großartig.
Ich habe diesen Song irgendwann auf einer Compilation entdeckt. Ob es "Die Deutsche Punkinvasion" oder "Schlachtrufe BRD" gewesen ist, kann ich leider nicht mehr sicher sind. "Die ewigen Phrasen kann ich nicht mehr hören/Wer immer nur redet, hat nie gelebt". Dem stimme ich zu. Für eine Deutschpunk-Band ist das sowohl musikalisch als auch textlich alles andere als stumpf. Sogar mit einem kurzen Gitarrensolo. Das ganze Ding hat was apokalyptisches an sich. Ich finde es hört sich an wie ein Zeugnis aus einer schwierigen Zeit: "1990, Wahnsinn total, zuckersüße Endzeit". Stell dir vor, die gesellschaftlichen Stünde verändern sich plötzlich radikal und dein persönliches Leben macht dir Schwierigkeiten - du kannst im Alltag einfach nicht mehr. "Gewohnheit heißt die tägliche Qual". Ja, genau so ist es. Ich würde gerne wissen, was aus dieser Band geworden ist. Es gibt nämlich nur zwei Alben und es ist mir unklar, was danach geschehen ist. Großartiges Lied.
Philipp:
"Ich bin mir sehr sicher, dass dieses Lied auf irgendeinem Punk-Sampler war, den ich mir mit 15 Jahren regelmäßig angehört habe. Mit 15 konnte ich mit dieser Art von Punk sehr sicher aber auch überhaupt nichts anfangen, was erklärt, dass mir der Name kaum geläufig war. Schade drum. Etwas lärmiger, düsterer Punk fernab ausgelatschter Klischees mit einem durchaus apokalyptischen Text. Wirklich großartig."
Raphi:
"Diese Band ist komplett an mir vorbeigegangen. Und ich finde es wirklich schade, weil die Musik von den Fremden echt cool ist. Abseits vom pöbelnden rumpelnden und dröhnenden Schepper-Deutschpunk wird hier ein düsterer und gleichzeitig farbenfroher Sound zum Besten gegeben. Ohne viel Hintergrundwissen zu haben, tippe ich hier mal auf Studentenpunk, was auch zur Heimatstadt Göttingen passen würde. Aber ich weiß es doch auch nicht. Schöner Song, cooler Refrain, und sehr angenehmer Gesang."
"Die Fuckin' Faces aus dem ehemaligen Zonenrandgebiet waren 1990 die wohl erste Punkband mit Mitgliedern sowohl aus der ehemaligen DDR als auch aus der BRD und in den frühen 2000ern über weite Strecken meine absolute Lieblingsband. Nach wie vor haben die 3 regulären Alben der Band einen festen Platz in meinem Herzen. Unangefochten rangiert das zweite Album "Neue Wege" in meiner Top 10 der deutschen Punk-Alben. Melodischer Deutschpunk deutlich amerikanischer Prägung mit durchdachten Texten über unter anderem Krieg, Tod, Sterbehilfe, Tierrecht, die Auseinandersetzung mit der Punkszene der 90er Jahre und Bier trinken mit Freunden und dazu Butz' unverkennbare Stimme. Große Liebe."
Raphi:
"Die Faces sind eine meiner Lieblingsbands, obwohl ich sie eigentlich nie so richtig gehört habe. Ich habe sogar ein Shirt. Komm mir nicht mit "Name Three Songs"; ich kann nicht mal zwei nennen. Und ich glaube, ich habe die Fuckin' Faces ein paar mal live gesehen. In Stuttgart, in Harnrode und vielleicht auch in Obersuhl. Das Werratal hat einen festen Platz in meinem Herzen, und Werratal ohne Fuckin' Faces ist wie Shakshuka ohne Ei. Zum Lied "Neue Wege" kann ich auch was sagen. Es ist so einfach und so wahr. Punk heißt Veränderung. Dazu klingt das Ganze ein bisschen wie die viel coolere Version von allem was Der Dicke Polizist je gemacht hat. Ich lieb's."
Gregor:
Ich hatte ehrlich gesagt, immer nur einen Song von Fuckin' Faces auf dem Schirm: "Gestorben für den Wohlstand". Darin geht es um Tierrechte bzw. Tierquälerei. Mochte diesen Song wirklich sehr sehr gerne. Das hier, also "Neue Wege" handelt von "Punk als Veränderung" bzw. von einer Abkehr von strunzkonservativer Punk-Szene, die sich niemals neu erfindet und keine äh neue Wege sucht. Das ist tatsächlich sehr löblich. Der Text ist wirklich sehr gut gemeint. Ich finde es ehrlich gesagt sehr sehr gut, dass man sich kritisch gegenüber der eigenen Szene äußert und nicht immer alles sektenartig "schluckt" und zu allem "Ja" sagt. Allerdings gefällt mir das musikalisch nicht wirklich. Es ist so quietschig und schunkelhaft: "Deeenn Punk hei-ßt ver-ään-der-uuuuung". "Du kannst vari-iereeen, doch lass dich nicht irrietieren!". Das tut mir weh, das zu hören. Das klingt irgendwie erzwungen. Und dann auch noch diese Reggae-Gitarre im Mittelteil. Ich weiß auch nicht. Meins ist es nicht.
Wenn ich dieses "From First To Last" mache, habe ich tatsächlich die Big Four des Thrash Metal auf diesem Blog vertreten. Anthrax und Megadeth hier - und volle Discographies von Metallica und Slayer. Hachja...Anthrax waren in meiner Jugend durchaus vertreten - allerdings mit ihrem dritten Sänger John Bush. Das Album "We've Come For You All" hat es mir damals sehr angetan. Deswegen war ich äußerst verwirrt als ich erfahren habe, wie sie vorher klangen. Falls ihr andere Reviews über Anthrax lesen wollt, so guckt hier rein als auch hier.
Jedenfalls ist das erste Album...
"Fistful of Metal" (1984)
Aufgenommen in der Besetzung: Scott Ian (git), Dan Spitz (git), Neil Turbin (voc), Danny Lilker (b) und Charlie Benante (dr). Ich glaube jeder kann sich an dieses absurde Albumcover mit zwei linken Fäusten erinnern. In meinem Schrank befindet sich ein Hommage-Longsleeve von Full of Hell, das glaube ich, ebenfalls zwei linke Fäuste verwendet. Bis jetzt kannte ich tatsächlich nur den Song "Metal
Thrashing Mad" - ich weiß nicht wie ich damals drauf gekommen bin. Jedenfalls ist das hier musikalisch durchaus ordentlicher Thrash Metal...Neil Turbins Gesang ist aber größtenteils so unglaublich hoch, dass es weh tut. Es ist wirklich sehr ungewöhnlich. Und Songtitel wie "I'm Eightteen" lassen eher Glam Metal Material Marke Poison vermuten. Das ist irgendwie wirklich verstörend, ich weiß nicht was ich damit anfangen soll. Dabei ist es eigentlich nur ein Alice Cooper Cover - das aber komplett falsch rüber kommt bei mir. Texttechnisch betrachtet ist dieses Werk wirklich sehr sehr stereotyp.
Dazu kommen allerdings so turbo Songs wie "Panic" die stellenweise nach Judas Priest klingen. Hauptsache äh Full Speed Ahead. Und dieses bescheuerte Falsetto zwischendurch immer und immer wieder. Das ist wirklich ein zweischneidiges Schwert. Der Sound ist cool und relativ simpel - bis dann Neil Turbins Gesang dazu kommt, der manchmal wirklich unfassbar nervig ist. Irgendwie klingt das noch nach einer Band die nicht so richtig ihren Sound gefunden hat. Ich finde Anthraxs spätere Werke deutlich, deutlich besser.
5/10 Pfandflaschen
Anspieltipps: Panic, Metal Thrashing Mad
Und das (bis jetzt) letzte Album heißt...
Cursum Perficio (2026)
Nein, es ist offiziell noch nicht das letzte Album von Anthrax - auch wenn der Titel auf Latein das irgendwie vermuten lässt. Aufgenommen in der Besetzung: Scott Ian (git), Jonathan Donais (git), Frank Bello (b), Charlie Benante (dr) und Joey Belladonna (voc).
Nun...wir sind quasi fast bei der klassischen Besetzung mit Joey Belladonna am Gesang. Ich weiß ehrlich gesagt nicht wirklich, was ich dazu sagen soll. Es geht los mit Shredder-Shredder-Riffs, Belladonnas Nicht-Falsetto aber melodischen Gesang und Gitarrensoli. Und so geht es auch erstmal weiter. Die Texte sind alles andere Thrash Metal Klischees. Die Musik sowieso nicht - es ist nicht Uffta-Uffta, wie auf dem ersten Album. Es ist viel eher der Sound für den Anthrax bekannt sind - nur etwas "ruhiger", zumindest für meinen Geschmack.
Ich find's cool, dass hier ein Charakter vom Albumcover des Klassikers "Among the Living" zu sehen ist. Ebenfalls find ich's cool, dass Anthrax sich Zeit lassen und nicht ein Album nach dem anderen raushauen. Zwischen dem letzten Album "For All Kings" und diesem hier liegen 10 Jahre dazwischen.
Allerdings ist es...bitte nicht falsch verstehen...irgendwie doch ein bisschen standard. Klar, sie machen das was sie wollen - und gleichzeitig das was die Fans wollen. Und es ist im Prinzip gut gemacht. Aber mich catcht es leider nicht wirklich. Es ist mir insgesamt leider doch zu generisch. Ich möchte daher keine Wertung abgeben.
Anspieltipps: It's For The Kids, Everybody's Got A Plan
Ulver Discography:1993-2003: First Decade In The Machines (2003)
Wir befinden uns weiterhin in der Ulver-Sphäre. Eigentlich habe ich mir vorgenommen keine Compilations oder ähnliches zu reviewen, allerdings ist das hier durchaus interessant. Nachdem ich jetzt mit allen EPs durch bin und Singles nicht wirklich in Frage kommen weil sie das gleiche Material wie auf den Alben enthalten ist nun also dieses Album dran. "1993-2003: First Decade In The Machines" ist ein Rückblick auf die ersten zehn Jahre des Schaffens von Ulver. Es ist jedoch keine Best-Of oder ein Greatest Hits Album. Nein, eigentlich ist es streng genommen kein Album von Ulver. "First Decade..." ist ein Remix-Album dass Werke von Künstlern beinhaltet wie Alexander Rishaug, The Third Eye Foundation, Fennesz, Pita, V/Vm oder Merzbow. Und natürlich auch Ulver selbst.
Sie remixen nämlich zuerst den Song "Nattens Madrigal" von der ersten Demo "Vargnatt" und nennen ihn um in "Crack Bug". Aus "Speak Dead Speaker" von "Silence Teaches You How To Sing" wird schlicht "Der Alte" - eine Art Mini-Hörspiel auf Deutsch in welchem ein alter Mann sich auf depressive Weise mit jemanden darüber unterhält, dass es nicht viel ausmachen wird, wenn er stirbt. "Bog's Basil & Curry Powder Potatoes Recipe" von Bogdan Raczyński ist in Wirklichkeit "The Voice of the Devil" von "Themes from William Blake's Marriage of Heaven and Hell" und hört sich an wie ein Videospiel-Soundtrack für Sega Genesis (nicht NES, tatsächlich eher Sega). Merzbow schießt am Ende endgültig den Vogel ab und verwandelt verschiedene Songs von "Bergtatt" und "Nattens Madrigal" in einem unhörbaren Harsh Noise Track der am Ende tatsächlich einen Bruchteil von Gitarrenriffs vorweist.
Kein Gesang. Null. Ulver können ja sehr gut experimentieren - aber es wird noch mal eine Ecke weirder wenn sie andere Leute an ihre Werke lassen. Es ist ganz schön abgefahren geworden und keineswegs immer gleich sondern immer unterschiedlich: Mal irgendwie quietschbunt, mal richtig verstörend und mal unglaublich ruhig und äh ambientig. Das Wort mag ich sehr gerne.
Fazit: Immer noch nichts schlechts von Ulver.
8/10 Pfandflaschen
Anspieltipps: Vow Me Ibrzu, Track Slow Now, Crack Bug
Hallo und herzlich willkommen zum mittlerweile vierten Scooby Doo Special auf diesem Blog. Ich komme meinem Ziel immer näher und habe bald tatsächlich von jeder Scooby Doo-Serie mindestens eine Folge gesehen. What a life. Achja, hier ist der dritte Teil.
10. What's New, Scooby Doo?, S01E01: "There's No Creature Like Snow Creature" (2002)
"What's New, Scooby Doo?" ist die erste Scooby Doo Serie seit einem Jahrzehnt. Man erinnere sich an das letzte Scooby Doo Special und merke, dass die letzte eine Art "Prequel" war, in welcher die Hauptcharaktere als Kinder zu sehen waren. Nun befinden wir uns im Jahre 2002 und irgendwie doch im Jahre 1969, zumindest was die Art des Humors betrifft. So ein Bisschen. Es ist im Grunde genommen, die gleiche Art Plot wie früher, nur mit modernen Technologien. Und mit einem neuen Titelsong, eingespielt von der kanadischen Pop Punk Band "Simple Plan". Der ist übrigens unfassbar catchy ist. Weitere super interessante Fakten: Es ist die letzte Serie mit Casey Kasem als Synchronstimme von Shaggy, bevor der Schauspieler 2014 gestorben ist. Nun, worum geht's eigentlich?
Scooby, Velma, Shaggy, Fred und Daphne befinden sich in einer verschneiten Region. Sie möchten in der Gegend Ski fahren und snowboarden. Außerdem sind mehrere Snowboard-Sportler dort unterwegs, die bei einem Wettbewerb mitmachen wollen. Darunter einige Legenden, worüber Fred sich insbesondere freut. Sie treffen sie die Sportler als auch den Miliardär-Organisator des Events in einem Hotel. Doch natürlich geht es nicht ohne irgendein Geist/Monster, dass offensichtlich alles kaputt machen will. Es taucht nämlich ein riesiges Eis/Schnee-Monstrum auf, dass zwei Sportler der Reihe nach verletzt sodass sie nicht mehr wettbewerbstauglich sind. Schlimmer noch: Bei einer Verfolgungsjagd mit dem Monster verletzt sich Fred am Bein. Velma wird krank. So müssen Daphne, Shaggy und Scooby sich um die Sache kümmern.
Natürlich steckt ein Mensch hinter dem Eis/Schnee-Monstrum. Natürlich geht es darum, bei irgendeiner Finanz-Schummelei/Wettbewerbsschummelei die Konkurrenten auszuschalten und so irgendwie an Geld ranzukommen. Diesmal ist es allerdings ein wenig gewiefter und man kommt nicht sofort dahinter, wer denn der wahre Bösewicht sein könnte. Was aber definitiv so ist, wie es früher war: Irrwitzige Verfolgungsjagden, Hin-und-Her-Rennerei, "Jeepers", "Zoinks", "Jinkies" und leicht unverständliches Gebrabbel von Scooby Doo selbst. Im Grunde genommen eine Übertragung der alten Serie, beinahe 1:1, ins neue Zeitalter. Diesmal tatsächlich etwas selbstrefentiell, als eine Art Selbst-Parodie. Es ist wesentlich witziger als die alten Folgen. Trotzdem möchte man mal irgendwas anderes sehen. Ich hatte allerdings meinen Spaß.
7/10 Pfandflaschen
Intro:
12. Shaggy & Scooby-Doo Get A Clue!, S01E01: "Shags To Riches" (2006)
Das sieht so neu aus, dabei wird die Folge dieses Jahr ganze zwanzig Jahre alt. Wieder mal geht man auf ein älteres Konzept zurück. Man streicht Daphne, Velma und Fred aus der Haupthandlung (!) der Serie. Sprich, sie kommen vor, allerdings nur am Rande. Zumindest in dieser Episode. Wieder mal klammert man jegliche Mystery-Elemente aus und fokussiert sich auf den Comedy-Aspekt der Reihe. Das heißt also, dass die Folge eigentlich gar nicht wirklich zu Halloween passt. Naja, der Vollständigkeit halber, ist sie nun hier. Worum geht es?
Shaggy (Scott Menville) und Scooby Doo (Frank Welker) leben zusammen in einer WG und sind absolut broke. Da kommt die Nachricht, dass Shaggy eine unfassbar riesige Menge an Geld von seinem Onkel geerbt hat, gerade richtig. Also, der Onkel ist nicht gestorben, sondern einfach nur verschwunden. Er ist außerdem ein großartiger Erfinder und verfügt über ein riesiges Anwesen. Der Slacker und der Hund begeben sich also direkt dahin um zu sehen, wie es dort aussieht. Im Keller finden sie lauter coole Erfindungen, unter anderem einen äh Verkleinerungsstrahler. Blöd nur, dass der Onkel in den Untergrund gegangen ist, weil ein superkrasser, mit deutschen Akzent sprechender Bösewicht namens Dr. Phineas Phibes (Jeff Bennett) es auf seine Erfindungen (und eine gewisse geheime Formel) abgesehen hat. Der übliche Verdächtige verfügt über einen Haufen Minions und ein U-Boot mit welchen er sich fortbewegt. So schickt er zwei dieser Minions zum Anwesen, die es tatsächlich schaffen, Shaggy und Scooby zu kidnappen. Auf dem U-Bott angekommen versuchen die beiden sich zu befreien als auch sich als Geister auszugeben um den Minions Angst zu machen. Also doch, EIN Mystery-Element.
Zuerst mal muss ich das super geile punkige Intro von Mark Mothersbaugh (Devo, komponierte unter anderem auch das Intro von "Rugrats" mit) loben. Es ist wirklich sehr cool und irgendwo auch eine Fortführung der neuen punkigen Tradition (man erinnere sich, Simple Plan haben das vorherige Intro gemacht). Der Stil ist eigenartig und anders. Die Charaktere sehen zwar ähnlich aus, wie im Jahre 1969, allerdings mit einem modernen "edgy" touch. Die Gesichter sind wesentlich kantiger, die Umgebung bunter. Es ist sehr simpel und witzig - allerdings ohne sich, zumindest in der ersten Folge, in sinnlose Hin-und-her-renn-Spielchen zu verfangen. Im Grunde genommen eine Abenteuer-Folge über einen Typen und seinen besten Freund, einen Hund, die Bösewichten entkommen. Und absolut verfressen sind. Ich mag's. Aber mehr auch nicht.
7/10 Pfandflaschen
Intro:
13. Scooby Doo! Mystery Incorporated, S01E01: "Beware the Beast from Below" (2010)
Vier Jahre später sind wir wieder bei der vollständigen Gang gelandet. Es sind wieder alle dabei: Scooby, Shaggy, Daphne, Velma und Fred. Diesmal allerdings kehren wir zu den High School Tagen der Teenager zurück und somit in ihre Heimatstadt Crystal Cove. Wir werden Zeuge wie Daphnes Eltern von ihr enttäuscht sind, weil sie mit der "Gang" rumhängt anstelle vernünftige Karierrewege einzuschlagen wie ihre vier Schwestern. Wie Velma als Guide fungiert und Touristen die Gegend zeigt - inklusive eines Museums in welchen die vielen mysteriösen Fälle vorgestellt werden, die sich in Crystal Cove ereignet haben. Dabei handelt es sich natürlich um all die Rätsel die die Gang gelöst hat - und wobei die Monster sich als Menschen rausgestellt haben. Shaggys Eltern sind ebenfalls nicht gerade begeistert von ihm - die von Fred ebenso. Freds Vater ist tatsächlich der Bürgermeister der Stadt. Generell haben die drei Teenager Probleme damit, ihren Eltern zu zeigen, dass das was sie machen doch irgendwie Sinn ergibt. Tatsächlich kommt es zu einem weiteren mysteriösen Vorfall. Bei einer Baustelle kommt zu es zu einem Wanddurchbruch und die Baucrew entdeckt einen Durchgang zu den alten Crystal Cove Katakomben. Ein gefährliches Schleimmonster greift sie an und wickelt sie ein in Cocons. Die Bauarbeiter werden gefunden und die Gang fängt an, den Fall zu untersuchen. Sehr zum Missfallen des ortsansässigen Sheriff. Es stellt sich heraus, dass die Cocons mithilfe von essbaren Desserts entstanden sind. Ein neu in der Stadt angekommener Frozen Yoghurt Unternehmer fällt somit der Gang ins Auge...
Hat hier etwa ein Frozen Yoghurt Café irgendwas mit einem Ridley-Scott-Alien-Szenario zu tun, bei welchem ein Schleimmonster menschen in Cocons einwickelt und sie an die Wand klebt? Ja, vielleicht. Vielleicht aber auch indirekt. Wer weiß. Jedenfalls hat man sich hier ordentlich Mühe gegeben, eine zusammenhängende Story zu erzählen, die jedoch nicht bei einer Folge bleibt. Tatsächlich gibt es ein weiterführendes Szenario. Mehrere Folgen hängen miteinander zusammen. Es ist keine "Monster of the Week"-Sache. Zumindest zum Teil nicht. Weiterhin begrüße ich, dass man den Charakteren sowas wie Tiefe gegeben hat und ihre inneren Struggles aufzeigt. Außerdem haben Velma und Shaggy definitiv was am laufen und Shaggy hat Probleme damit, es nach außen zu zeigen. Höllisch interessant. Großartiges Design, dass wieder aussieht wie die 1969er Serie in HD. Im Gegensatz zu "What's new Scooby Doo?". Da hat man quasi nur einen kleinen Neuanstrich gegeben. Hier sieht alles einfach nur verdammt gut aus. Alle vier Daumen hoch.
Hallo und herzlich willkommen zum ersten "Comic Book Review" im SHOCKTOBER 2026. Mal wieder wird es diesen Monat, zumindest comictechnisch (aber auch filmtechnisch) um die Simpsons gehen. Die "Bart Simpson's Treehouse of Horror" (auf Deutsch "Bart Simpsons Horrorshow") wurde in "The Simpsons' Treehouse of Horror" umbenannt. Wir sind nun bei Ausgabe 15 von 23. Let's go. Diesmal sind es übrigens keine hochkarätigen Eisner-Award gewinnenden Autoren die hier vertreten sind. Und auch keine Rockstars. Und auch keine Simpsons-Stammgäste. Und auch keine Comedy-Autoren. Nein. Diesmal, wimmelt es hier nur so von Underground-Künstlern.
Die erste Story ist nicht wirklich relevant oder besonders ausschlaggebend. Die Mitglieder der Simpsons-Familie gehen zu einem Psychotherapeuten (einen einohrigen Hasen) um ihre Alpträume zu besprechen. Dabei handelt es sich um die Sequenzen des Vorspanns der Serie, die sich immer wieder in ihren Träume wiederholen und traumatisierend sind. Irgendwie witzig das auf diese Art auf die Meta-Ebene zu bringen. Geschrieben und gezeichnet von Tim Hensley.
"The Call of Vegulu" handelt von einer post-kapitalistischen Gesellschaft. Alles ist gefallen, es gibt keine Krankenversicherungen mehr. Man muss um finanzielle Unterstützung in Gameshows kämpfen. Das Springfielder AKW ist nicht mehr funktionstüchtig nachdem Mr. Burns beschlossen hat "grün" zu werden und irgendwann völlig wahnsinnig wurde. Eine Gruppe von jugendlichen Crustpunks (naja eigentlich mit K) bestehend unter anderem aus Bart, Lisa und Milhouse steigt ein in das verlassene Anwesen von Mr. Burns und findet dort einen verwahrlosten Buchhalter, der ihnen alles erzählt. Mr. Burns ist nun Anhänger des Kultes von Vegulu. Einen Wesen aus einer anderen Dimension das die Erde übernehmen will, nachdem die Menschen komplett versagt haben. Gemüse ist die Zukunft. Heilige Scheiße ist das abstrakt, komisch gezeichnet und einfach "off". Es ist eine Gesellschaftssatire, aber nicht nur auf den Konsum sondern auch auf Marketing. So wird sich auch über Marketingstrategien von sogenannten "grünen" Unternehmen lustig gemacht. Sehr eindringlich und trotzdem so merkwürdig. Von Matthew Turber und Kevin Huizenga.
In "Blurst Agin!" von Jordan Crane sehen wir wie Barts Kopf explodiert nachdem er Blasen von einer Seifenblasenpfeife eingeatmet hat. Okay.
Ted May und Sammy Harkham präsentieren in "Mo' Bodies, Mo' Problems" eine Geschichte über den Barkeeper Moe Szyslak. Es ist eine Parodie auf die "Re-Animator"-Filme bzw. die Story von H.P. Lovecraft. Darin streitet sich Moe mit dem erfolglosen Verkäufer Gil. Dieser hat eine Frau umgebracht und Moe die Leiche gebracht - weil Moe Leichenteile sammelt um eine Art "Frankenstein's Bride" zusammenzunähen. Als Moe checkt, dass die Leiche ein Mordopfer ist, kommt es zu einem Streit bei welchem Gil aus Versehen auf sein eigenes Messer fällt und stirbt. Nelson Muntz, ein Schoolbully hat sich in der Decke versteckt und das ganze beobachtet - nur um Gil auszulachen. Ist eines seiner Hobbies. Daraufhin hilft er Moe, die Braut zusammenzuflicken, die dann tatsächlich bei Moe arbeitet. Um nicht so von Moe angeekelt zu sein, hat sie überall Brad Pitt Fotos aufgehängt - so als Ablenkung. Was für ein wahnsinniger Scheiß. Das ist so stupide und makaber, dass es kracht. Aber es ist immerhin sehr witzig. Im Grunde genommen allerdings "nur" eine Parodie, die ein etwas anderes Ende bietet. Genießbar.
"The Lords Must Be Lazy" von Will Sweeney stellt Bart und Homer als bloße Schachfiguren im antiken Griechenland dar. Vater und Sohn sind in einem Boot unterwegs als sie von einem göttlichen Tsunami angegriffen werden. In Wirklichkeit ist es der "God of Chubbiness" (Portlius Maximus) dem langweilig ist und der sich amüsieren will, indem er mit Menschen "spielt". Sie werden allerdings von Poseidon gerettet und landen auf einer Insel - die allerdings auch nur Teil des göttlichen Schachbretts ist. Als dann auch noch ein Zwiebelring drauf fällt und lebending wird, wird es richtig brenzlig. Noch brenzliger wird es allerdings als die beiden von einem Stamm von Gürkchenmenschen verfolgt werden ("Boop! Oop Boop Poop! Boploop!" - ich glaub das reicht jetzt mit den Zitaten). Heiliger Fick ist das witzig. Ach du scheiße ist das witzig. Meine Fresse. Dabei dauert das Vergnügen vielleicht drei Seiten und sieht aus wie das Werk eines sehr talentierten Grundschülers. Wahrscheinlich weil die Farben so unglaublich knallbunt sind. Sehr amüsant.
In der nächsten Geschichte wird "C.H.U.D." parodiert (dieser eine Film über Mutanten aus der Kanalisation). Sie heißt "C.H.U.M." und handelt von Hans Moleman, der als Kanalarbeiter tätig ist. Als Homer radioaktiven Abfall die Toilette runterspült kommt er damit in Berührung und verwandelt sich daraufhin in einen äh Mutanten mit entstellten Gesicht. Bald fängt er an, Kinder zu zu töten. Nelson, Milhouse und dann noch Rodd und Todd Flanders. Als er in Ralph Wiggums Zimmer einsteigen will, hält dieser ihn für seine Mum. So auch Chief Clancy Wiggum (Ralphs Vater). So findet Hans eine neue Familie und ist scheinbar sehr glücklich. Oh meine Fresse, es wird einfach immer besser und obskurer je mehr ich in dieser Ausgabe lese. John Vermilyea schafft es verdammt gut in kürzester Zeit den Leser zu verstören. Zunächst glaubt man, dies wäre eine weitere makabere Simpsons-Parodie - doch dann wirds irgendwie wholesome und lustig. Ein Twist den ich nicht erwartet hätte. Ich lachte innerlich sehr viel.
Die unfassbar großartig potthässliche Story "Boo-Tleg" von Ben Jones handelt von Apu und seinen Bruder, die lauter gefakete Produkte im Kwik-E-Mart verkauft haben. So viele, die qualitatitv minderwertig waren, sodass mehrere Menschen daran gestorben sind. Um die Sache zu vertuschen, heuerten sie eine Klonfabrik in der dritten Welt an um diese Menschen zu ersetzen. So kriegt Springfield nun einen Post-Ostblock-Homer und einen schwarzen Bart Simpson. Die Sache geht immer so weiter bis beinahe die ganze Stadt ausgetauscht ist und wie eine schlechte Kopie von sich selbst aussieht, weil immer mehr Menschen sterben und durch Klone ersetzt werden. Die Farben sind (mal wieder) knall bunt, der Hintergrund ist immer weiß. Alles sieht aus wie diese Simpsons-Bootleg-T-Shirts aus den 1990ern ("Black Bart", "Operation Desert Storm" usw. usf.). Die Story ist wirklich "off" und sehr verstörend zuerst - doch je länger man liest, desto witziger wird es.
"Three Little Kids" von John Kerschbaum ist eine Parodie auf das Märchen über die drei Schweinchen. Diesmal geht es allerdings um Bart, Ralph und Milhouse die auf der Suche nach Material sind um sich selbst Häuser zu bauen. Allerdings überfrisst sich Ralph an einem Eimer Popeln (von Hausmeister Willie) und Milhouse wird enttäuscht als der Comic Book Guy ihm keine Comics als Baumaterial geben will. In beiden Fällen werden sie hinterrücks vom großen bösen Wolfsmensch (Mr. Burns) entführt und umgebracht. Mr. Smithers bereitet aus ihnen essen zu, wird aber selbst von Burns verspeist nachdem er ihm Essen geklaut hat. Bart hingegen hat Homer betrogen. Im Austausch für Zauberbohnen hat er sich Ziegel erschlichen um sich ein Haus zu bauen. Nur waren es keine Bohnen, sondern Kot. Als der große böse Wolfsmensch auftaucht um sein Haus wegzublasen, kriegt er einen Schwächeanfall und stirbt. Bart macht aus ihm Wolfseintopf. Homer versucht sich daraufhin an ihn zu rächen, wird allerdins prompt von drei zufällig vorbeilaufenden Jägerinnen (Marge, Lisa, Maggie) erschossen. Ich habe es schon gesagt, aber je länger ich diese Ausgabe lese desto absurder wird es. Und brutaler. Und makaberer. Und immer wieder taucht Nelson auf und sagt "Haw-Haw!". Jesus fucking fuck.
Jeffrey Brown präsentiert in seiner, offensichtlich mit Filzstiften gezeichneten Story "Bad Milhouse" ein noch merkwürdigeres Szenario. Milhouse kriegt von seinem Vater Kirk Buntstifte zum Geburtstag. Nun will er durch die Gegend fahren um zu gucken, ob ihm jemand gratulieren wird. Stattdessen wird er von Dolph, Kearney, Nelson und Timbo ausgelacht und fährt aus Versehen in eine der beiden Sheri/Teri Zwillingsschwestern. Sie stirbt. Um das auszugleichen tötet er die andere. Dies führt dazu, dass er polizeilich gesucht wird. Kirk versteckt ihn, wird aber aus Versehen ebenfalls von ihm umgebracht. Milhouse ist nun im Haus, zwischen den Wänden gefangen, weil die Leiche seines Vaters den geheimen Eingang versperrt. Er fängt an, eine Larry Snotter (lol) Fanfiction zu schreiben. Als die Simpsons dann in das Haus einziehen fühlt er sich noch mehr inspiriert. Naja, gegen Ende der Geschichte wird er wegen Copyright Infringement von Chief Wiggum verhaftet. Äääääh ja... Ich weiß nicht, was ich dazu sagen soll.
Christopher Forgues' "The Slipsons" präsentiert eine sehr kurze Story in welcher Hausmeister Willy über den "dreckigen Zustand" des Simpsons'schen Hauses empört ist. Also bricht er durchs Vorderfenster ein um festzustellen, dass Homer Bart und Lisa umgebracht und ihre Köpfe als Besen benutzt hat. Es stellt sich raus, dass Homer eine riesige Schabe ist und Marge eine Rakete. Okay.
Alles in allem eine sehr obskure Ansammlung von sehr makaberen, abstoßenden und ja...bootlegigen Geschichten, die sich anfühlen, als hätte sie jemand in einem dunklen Keller für sein Fanzine geschrieben und gezeichnet. Tatsächlich eine Abwechslung zu den zahlreichen Horrorfilmparodien die sonst so in den Halloween-Comics bzw. den Halloween-Folgen zu sehen sind. Teilweise wirklich großartig lustig (und abstoßend), teils einfach nur abstoßend (und höllisch dumm). Heiliger Fick. Was zur Hölle war das?
Hallo und herzlich willkommen zum ersten "Album der Woche" während des Halloween-Monats "SHOCKTOBER"! Ich führe die Tradition fort und reviewe jährlich ein The Cramps-Album. Nun sind wir bei "Look Mom, No Head!" angekommen, dem insgesamt fünften Studioalbum der Band. Aufgenommen in der Besetzung: Lux Interior (Gesang), Poison Ivy Rorschach (Gitarre), Slim Chance (Bass) und Jim Sclavunos (Schlagzeug). Letzterer ist seit 1994 konstantes Mitglied bei Nick Cave & The Bad Seeds und war auch bei Grinderman zu hören. Zufälligerweise erinnert mich dieses Cramps'sche Album an Grinderman. Nicht weil das Cave'sche Projekt durchaus an Cramps erinnert und vice versa, sondern weil die Themen/Texteauswahl durchaus ähnlich ist. Also, nicht zu 100%.
Wie man mittlerweile wissen sollte haben sich The Cramps mittlerweile komplett von Horror/B-Movie-Thematik entfernt und machen inzwischen irgendwas völlig obskures, sexgeladenes mit völlig merkwürdigen Lyrics. Musikalisch bleiben wir bei dieser Mischung aus Garage Rock, Punkrock und...nunja Rock'N'Roll. Die Texte sind, wie gesagt, unfassbar obskur und merkwürdig. So geht es in "I Wanna Get In Your Pants" darum...jemanden sexuell attraktiv zu finden. Und ich komme nicht drauf, worauf dieses Lied eine Hommage sein soll. Die Melodie erinnert mich an irgendwas a lá "Sugar" oder irgendeinen anderen spät-50er-Jahre Song. Der dominante Opener "Dames, Booze, Chains and Boots" ist im Prinzip der perfekte Aufmacher, der direkt offenbart worum es hier gehen wird. "Miniskirt Blues" featuret Iggy Pop. Seine Stimme als auch die von Lux Interior ergänzen sich dabei wirklich großartig. Iggy passt tatsächlich zur Band und wäre sicherlich auch weitestgehend eine absolute Ergänzung gewesen. Einer der besten Songs hierauf ist das Cover von "The Strangeness in me" (im Original von The Runabouts). Es ist ein großartiger Tribut an ein merkwürdiges, depressives Gefühl der Leere. Zumindest interpretiere ich das.
Irgendwie seltsam. The Cramps machen keine Songs mehr über B-Movies, hören sich aber mehr an wie der Soundtrack zu einem Gritty B-Horror-Movie in welchen irgendwelche Halunken in ihrem abgefuckten Auto quer durch die USA reisen, Menschen ausrauben, bis sie auf Vampire treffen oder so. Ich weiß nicht (mehr) ob es eine filmische Umsetzung von "American Vampire" gab, aber wenn es die noch nicht gibt, wäre das ein guter Soundtrack.
8/10 Pfandflaschen
Anspieltipps: Dames, Booze Chains and Boots, I Wanna Get In Your Pants, Miniskirt Blues, The Strangeness In Me
Kaum zu glauben, aber wahr: Ich habe noch nie "Stargate" gesehen, geschweige denn irgendeine der Serien-Fortsetzungen. Ich wusste, dass irgendwann Richard Dean Anderson (aka McGyver) mitgespielt hat, aber sonst nichts. "Stargate: Atlantis" lief irgendwann auf RTL2(?) oder so und ich habe nichts davon verstanden. Aber egal. Hier ist er nun, der erste Film - und vllt. werden noch weitere Reviews irgendwann folgen. Wahrscheinlich werde ich mir irgendwann in naher Zukunft die restlichen Filme plus jeweils eine Folge von jeder Serie reinziehen. Aber das ist erstmal Zukunftsmusik.
Wir befinden uns in der Gegenwart des Jahres 1994 (oder so). Dr. Daniel Jackson (James Spader) ist Ägyptologe und hat für die damalige Wissenschaftswelt äußerst wirre Thesen über die Pyramiden. Seiner Meinung nach sind sie deutlich älter als bisher angenommen und evtl. von jemand anders erbaut als von den Ägyptern. Seine Thesen werden verlacht, er gilt als Witzfigur. Irgendwann wird ihm auch sein Lehrauftrag entzogen - allerdings hat ihm bereits das Militär im Visier. So kriegt er einen Auftrag
von etwas anderer Art. In einer geheimen militärischen Anlage befindet sich ein 1928 in Ägypten gefundenes Artefakt. Jackson schafft es eine Reihe von Hieroglyphen zu übersetzen, was bis jetzt niemand geschafft hat. Offenbar handelt es sich beim Artefakt um ein "Stargate", ein Portal das von Außerirdischen erbaut wurde und das in der Lage ist jemanden zu einer anderen Galaxie zu transportieren. Und all das ohne Zeitverlust. Lange Rede, kurzer Sinn: Jackson wird Teil einer militärischen Mission. Durch weitere Recherche schafft man es, das Portal zu aktivieren. Der Ägyptologe reist mit einem Haufen Militärs, angeführt von General Jack O'Neill (Kurt Russell) durch das Portal zu einem anderen Planeten. Dieser ist von einer Wüste bedeckt (man erinnere sich an ein gewisses anderes Franchise). Schon bald stellen sie fest, dass die Einheimischen Menschen sind, wie auf der Erde. Allerdings sprechen sie eine unbekannte Sprache die entfernt an Koptisch erinnert. Jackson findet raus, dass sie alle Sklaven des ägyptischen Gottes Ra sind. Dieser brachte den alten Ägyptern einst seine Technologie bei und verschleppte Sklaven zu seinem Planeten. Allerdings gab es irgendwann einen Aufstand, wobei das Tor für immer begraben wurde. Um es noch mal kurz zu halten: Jackson und die Soldaten werden kurzerhand zu Schlüsselfiguren in der Befreiung des Planeten aus der Sklaverei.
Böse Zungen würden behaupten, hier gehe es darum, dass die Amerikaner berechtigerweise Kriege anfangen um "angeblich" die einheimische Bevölkerung zu befreien. Allerdings ist das nicht wahr. Viel eher geht es um eine neu entstandene Freundschaft bzw. ein Bündnis zwischen Völkern und einen gemeinsamen Aufstand gegen einen grausamen Despoten, der nichts anderes im Sinn hat als sein ewiges Leben fortzuführen und noch mehr Unterdrückung zu säen. Aus heutiger Sicht ist "Stargate" vielleicht doch nicht so intellektuell wie gedacht - allerdings gleichzeitig auch nicht so action überladen, dass es einem übel wird. Die Idee ist vielleicht äußerst wirr auf dem ersten Blick: Aliens die Pyramiden mitaufgebaut haben. Ein Sternentor in eine andere Galaxie. Ein außerirdischer Despot, der Menschen versklavt. Später in den Serien wird die Idee von Göttern, die Menschen versklaven noch weiter ausgeschlachtet. Meiner Meinung nach ist der Film eine Art Umsetzung einer wilden Theorie - allerdings in etwas "gesitteter" und "wissenschaftlicher". Jedenfalls, eine willkommene Abwechslung zu all den schnell geschnittenen, wirren Actionfilmen die heutzutage in die Kinos kommen.
Wieder mal eine Leihgabe von Kollegen M. Danke dafür. Kaum zu glauben, dass dieses DC-Event schon vor über zehn Jahren erschienen ist. In diesem Trade Paperback sind die Ausgaben 0-8 enthalten, die allesamt 2015 in Heftform rausgebracht wurden.
Dabei handelt es sich um die Fortsetzung von "Earth 2: World's End" (die ich tatsächlich mein Eigen nennen darf) und "The New 52: Future's End" (ebenfalls). Ausgabe#0 war eine Art Prelude, während die
Ausgaben 1-8 die Kerngeschichte enthielten. Dazu gab es aber noch an die 40 Tie-In Ausgaben, die allesamt Miniserien waren, die jeweils zwei Ausgaben beinhalteten. Aber worum geht es?
Im Grunde genommen ist es recht simpel und ähnlich wie in der dritten Auflage von Marvels "Secret Wars". Jemand bringt alle vor dem damals neuen Neustart des DC-Universums (das war 2011) existierende Welten auf einen Planeten zusammen. Und zwar niemand geringeres als eine mir bis dato unbekannte Version von Brainiac, den lebenden Computer und Gegner von Superman. Die Helden der Erde-2 (die von Paradämonen vom Planeten Apokolips angegriffen wurde) finden sich plötzlich auf einem unbekannten Planeten wieder. Dabei meine ich Batman (Thomas Wayne, Bruce Waynes Vater), Green Lantern Alan Scott, Yolanda die Avatarin des Rot, Flash Jay Garrick und Superman Val-Zod. Sie werden nach kurzer Zeit von einem unbekannten Wesen namens Telos begrüßt. Der humanoide handelt im Auftrag von Brainiac. Dieser hat mehrere Planeten/Welten aus dem Multiversum in Form von Städten auf dem Planeten gebracht. Es ist eine Art Experiment. Die Welten sollen gegeneinander kämpfen und der Gewinner darf am Leben bleiben. Der Planet heißt....Telos. Es stellt sich heraus, dass Telos die humanoide Verkörperung des Planeten ist. Von nun an sehen wir, wie unterschiedliche Welten aus dem DC-Multiversum, Vergangenheit, Parallelrealität und Zukunft aufeinander treffen. So machen wir unter anderem einen Ausflug in die Fantasy-Welt von Skartaris, schauen kurz bei "Injustice" rein und sehen zu wie Batman-Vater (Thomas Wayne) auf Batman-Sohn (Bruce Wayne) treffen. Auch die Welt von "Flashpoint" hat einen kurzen Auftritt.
Im Grunde genommen ist das hier ein Nostalgie-Produkt, dass alle bisherigen DC-Welten vereint und alte Fan-Herzen höher schlagen lässt. Als kleines Bonus gibt es eine Enzyklopädie über alle bisherigen Welten. Man könnte auch behaupten "Convergence" wäre eine Art "Neustart nach dem Neustart", dass alle Helden die nach DCs Neustart im Jahre 2011 als nicht-existent galten, wieder zurück bringt. Man möchte sich einfach von gewissen Dingen nicht trennen und gleichzeitig möchte man alte Fans befriedigen. Die Story ist an sich schon echt cool, nur wird es gegen Ende irgendwie verwaschen und leicht aus den Fingern gesaugt. Plötzlich ist alles wieder so wie es war und alle sind happy. Fast so wie DC-Fans, die sich darüber freuen, dass alle wieder da sind. Ich muss sagen, dass es irgendwie ein nachvollziehbares und kurzes Vergnügen ist. Man fragt sich "Was ist mit all den Welten passiert? Sie müssen doch irgendwo weiter existieren?" als auch "wir werden doch einen Haufen Leute verprellen wenn wir sie für immer tot/nicht existent lassen". Genau so ist es. "Convergence" ist eine durchaus spannende Lektüre, aber im Grunde genommen ein Nostalgie-Produkt, dass alte Fans als Zielgruppe hat.
Hallo und herzlich willkommen zum mittlerweile SIEBENHUNDERTSTEN "Album der Woche" auf "..,klar". Es ist tatsächlich 700 Alben her, dass ich damals diese eine Platte von Jesus Cröst reviewt habe. Das ist mehr als zehn Jahre her. Ich meine, mich zu erinnern, dass ich zum 500sten Jubiläum der Rubrik "Monoliths & Dimensions" von Sunn O))) reviewt habe. Zur 600ten war es ein Album von Crypta. Nun, das ist also jetzt Tradition. Alle 100 Alben kommt ein Sunn O))) Album. Deal? Deal. Diesmal allerdings haben wir es mit einem Double Feature zu tun.
ØØ Void (2000)
Hierbei handelt es sich um das erste "volle" Album von Sunn O))) aber insgesamt um die zweite Veröffentlichung. Ausgesprochen würde es "ÖÖ Void" heißen, weil der dieses durchgestrichene O nun mal so ausgesprochen wird. Was wir hier zu hören kriegen sind insgesamt vier Titel: "Richard", "NN O)))", "Rabbit's Revenge" (ein Cover von Melvins'schen "Hung Bunny") und "Ra at Dusk".
So und jetzt kommen wir zum spannenden Teil des Reviews. Wie soll ich vier Titel umschreiben, die jeweils mindestens vierzehn Minuten lang sind und mehr oder weniger irgendwie einander ähneln? Für diejenigen, die nicht im Thema sind: Sunn O))) haben sich einst nach dem Verstärkerhersteller Sunn benannt und ahmen dessen Logo in ihrem eigenem Logo nach. Von dem "O" gehen also Soundwellen aus und ungefähr so könnte man ihren Sound umschreiben. Anders als in einem der Nachfolger (Mein Lieblingsalbum der Band "Monoliths & Dimensions"), der wesentlich experimenteller ist als dieses Debütalbum machen Sunn O))) hier genau das wofür sie berühmt wurden. Sie schmeißen ein riesiges, unsichtbares Flugzeug in einen riesigen Verstärker. Dieser Verstärker fängt dann an, wie bescheuert zu brummen, als hätte er eine heftige Funktionsstörung - und die hat er natürlich auch. Alle vier Songs, mit Ausnahme des Melvins-Covers, dass im Hintergrund sowas wie Gesang und "normale" Instrumentals aufweist bestehen aus heftigsten Dröhnen. Es ist ein fantastisches Meditationsgeräusch. Perfekt geeignet für eure Spazierrunde, für euren Einkaufsausflug oder wenn ihr Spülen wollt, die Wohnung saugen und wischen wollt. Ehrlich jetzt. Keine pseudophilosophischen Texte über das Leben. Einfach nur Drone Metal.
Jetzt fragt ihr euch sicher, wieso zum Fick reviewt er das? A) weil ich das kann und B) weil das ein Double Feature ist und zum zweiten Album gehört dieses Album dazu. Ganz einfach.
10/10 Pfandflaschen
Anspieltipps: Alles
Sunn O))) meets Nurse With Wound - The Iron Soul Of Nothing (2011)
Nun haben wir wieder mal eine Premiere hier. Im Grunde genommen reviewe ich jetzt in einem Double Feature zwei mal das gleiche Album. Naja, nicht ganz. Aber so rein theoretisch gesehen schon. Praktisch gesehen natürlich nicht.
"The Iron Soul Of Nothing" wurde 2011, also 11 Jahre nach dem Debütalbum von Sunn O))) veröffentlicht - als Standalone-Edition. Zuvor, im Jahre 2008 gab es die gleiche Veröffentlichung schon als Bonus-Disc zu der CD-Ausgabe von "ØØ Void". Dabei handelt es sich im Grunde genommen um ein Remix-Album, des besagten Debüts. Die Überarbeitung der Sunn O)))schen Werke hat sich ein gewisser Künstler namens Steven Stapleton vorgenommen. Besser bekannt unter dem Namen Nurse With Wound ist der Engländer eine Koryphäe in Sachen Industrial, Noise und Dark Ambient. Wir haben hier also die vier, weiter oben genannten, Stücke von "ØØ Void", die einen neuen, ambientigen,
psychedelischen Klang verpasst bekommen. Dabei ist so gut wie gar nichts mehr bzw. generell gar nichts mehr von ursprünglichen Drone-Sound zu hören. Stattdessen erleben wir eine geheimnisvolle Soundkulisse, die sich wie ein riesiges metallenes Rohr anhört. Aus vier Tracks werden drei, die dann heißen "Dysnystaxis" (...A Chance Meeting With Somnus), "Ash on the Tress" (The Sudden Ebb of a Diatribe) und "Ra at Dawn" (Rapture, At Last, Numbered By Her Light). Beim letzten Titel sehen wir eine eindeutige Anspielung auf den ursprünglichen Track "Ra At Dusk". Auch die Länge der Titel hat sich verändert. Mindestens 3-4 mal länger. Während "Ra At Dawn" je nach Veröffentlichung ein Ein- oder Zweiteiler ist. Irgendeiner bei YouTube nannte das "Psychedelic Doom Drone". Und damit trifft die Person den Nagel auf dem Kopf. Ich würde noch den Zusatz "Psychedelische, doomtastische, Kirchenmusik" hinzufügen. Alleine schon wegen des heftigen Halls, der einen anmuten lässt, das Ganze würde sich in einer riesigen Kirche abspielen. Einige Sounds erinnern mich tatsächlich auch an verzerrte Kirchenorgeln. Große Sache, diese.
"Als das Album „K.O. System“ in den Himmel gehyped wurde, konnte
ich das wirklich überhaupt nicht nachvollziehen. Bis heute mag ich
die Musik der ersten fünf Alben nicht, und kann leider nicht mal
richtig erklären, weshalb. Doch dann wurde ich überrascht, als die
Ruhrpunks 2021 mit „Weiter Weiter“ eine Platte veröffentlicht
haben, die mir echt gefallen hat. Passenderweise haben zu ebenjener
Zeit im Mantel von COVID19 auch Dritte Wahl ein neues Album
veröffentlicht, das mich überhaupt nicht abgeholt hat. Aber gut,
hier ist „Alter Lieder“ vom bisher besten Fahnenflucht-Album:
eine kraftvolle „Nie wieder“-Ansage."
"Ohne Ausweg": "Das letzte Lied vom ersten richtigen Album der Rheinberger Band ist ein Paradebeispiel für die zweite Deutschpunkwelle. Ein bisschen gegen Deutschland, Parolenrefrain, kurze Breaks und Tempowechsel zwischen flottem Schunkeln und heftigem Geholze. Das Ganze geht insgesamt gut ins Ohr und sorgt für Unterhaltung. Außerdem merkt man auch hier schon, dass sich Fahnenflucht beim Songwriting mehr Mühe gegeben haben als viele andere Bands aus der gleichen Sparte. Als Hintergrundbeschallung bei Parties oder langen Autofahrten geht das allemal. Wirklich abgeholt hat mich das aber nicht."
Philipp:
"Alte Lieder" & "Ohne Ausweg"
"Glücklicherweise haben Raphael und ich hier zwei Lieder ausgewählt, die das Spektrum dieser Band sehr gut abdecken. Vom ungestümen und mitunter auch etwas stumpfen Früh-2000er-Straßenschlacht-Soundtrack und Kriegserklärung an Deutschtümelei und Nationalismus bis hin zur reflektierten Warnung vorm Erstarken der neuen Rechten. Musikalisch hat die Band in den 20 Jahren, die zwischen beiden Songs liegen, wirklich einen wahnsinnigen Sprung hingelegt. Mehr Metal, mehr Hardcore, mehr Post-irgendwas und immer große Melodien. Dabei Texte, die sich politisch radikal stets mit der notwendigen Haltung am Puls der Zeit bewegen und dieser mitunter einige Jahre voraus sind. Was bereits auf dem Album "Wer Wind sät" über Fluchtbewegungen und die Strömungen der neuen Rechten gesagt wird, jagt mir jedesmal einen kalten Schauer über den Rücken. Nach wie vor wirklich wichtige Band."
Gregor:
"Alte Lieder"
Das hier ist ein schöner Vergleich zu dem Song weiter unten. "Alte Lieder" ist nämlich später als "Ohne Ausweg" erschienen. Also vor fünf Jahren und nicht vor fünfzehn Jahren. Die Stimme klingt wesentlich "gefasster" und "kontrollierter" aber immer noch wütend und weniger rotzig. In dem Song geht es nicht um "unsere Lieder immer wieder" oder irgendwas onkelz-mäßigen. Sondern "das hatten wir schon einmal, erinner' dich an Weimar und das darf einfach nie wieder passieren" also um den Rechtsruck und die Gefahr die davon ausgeht usw. usf. Das Schlagzeug hört sich nicht an wie eine schöne Mülltonne, sondern wesentlich mechanischer. Insgesamt doch schon qualitativ gar nicht so minderwertig.
"Ohne Ausweg"
Hach. Das klingt wie damals als ich in meinem Kinder/Teenager-Zimmer saß und auf so nem alten CD-Player irgendeine Nix-Gut-CD abgespielt habe. Auch von der Qualität her lol. Eine räudig klingende Stimme singt irgendwas von wegen "Deutschland" und "ich spucke dir ins Gesicht" als auch "einen Ausweg gibt es näääächt". Der Bass dröhnt schön, das Schlagzeug hört sich an wie eine wunderschöne Mülltonne. Es ist vor allem eins: Sehr sehr sehr rotzig. Trotz all dieser Erinnerungen muss ich sagen: Nein, das ist nichts was ich mir heutzutage anhören würde, auch wenn Fahnenflucht zu den Koryphäen des neuen Deutschpunk gehört. Und es tut auch nicht weh, dass ich sie vor einem Jahr auf dem KAZ Open Air verpasst habe.
Fehlfarben- "Gottseidank nicht in England"
Philipp:
"Dieses Lied habe ich frecherweise eingeschoben, nachdem unsere Liste bereits fertig war, so sehr liebe ich diesen Text und diesen ganzen vetdammten Song. Fehlfarben selbst ist aus der Düsseldorfer Szene der ersten Welle in Deutschland entstanden, Sänger Peter Hein muss wohl einer der ersten Punks überhaupt in Deutschland gewesen sein. Die Band ist vielen ja tatsächlich im Kontext der neuen deutschen Welle ein Begriff, so wirklich haben sie aber auch nie in diese Schublade gepasst. Was mich an "Gottseidank nicht in England" fasziniert, ist nicht nur die großartige Musik sondern vor allem auch dieser durchaus kryptische Text. Zusammen mit dem Titel habe ich ihn immer als Aufforderung an die deutschen Punks gesehen, die englischen Vorbilder hinter sich zu lassen und einen eigenen subkulturellen Weg zu finden. Ironischerweise ist genau das mit der NDW passiert obwohl Peter Hein das definitiv nicht gemeint hat. Generell kann man diesen Text auch sehr gut als "Erwachsen werden in einer feindlichen Umgebung" zusammen fassen, eine Absage an Spießigkeit und Karrierismus. Es ist so oder so großartig und mein durchaus sehr lauwarmer Take dazu, dass "Monarchie und Alltag" eins der besten deutschen Punk-Alben der Frühphase ist."
Raphi:
"Die "Punkverräter" Fehlfarben hatten im Jahr 1980 schon einige Erfahrungen mit bewusstseinserweiternden Substanzen hinter sich, und hatten ihren ersten Plattenvertrag bei EMI in der Tasche. Das erste Album "Monarchie und Alltag" ist eine Sammlung von Hits und zeitlosen Klassikern. Fehlfarben bilden hier eine dynamische und kalte Schnittstelle zwischen Punk, Post Punk und NDW; etwas sanfter als die zeitgenössische Musik von Abwärts, und etwas krachiger als Rotzkotz. "Gottseidank nicht in England" ist gleichzeitig eines der aggressivsten und der traurigsten Lieder des großartigen Albums. Ich sehe im Text viel Raum für Interpretationen. Es geht um Anpassung in einer rauen Realität; um Konstrukte aus Lügen, die irgendwann kollabieren; um Bedeutungslosigkeit; um eine Welt, die in ihrer Oberflächlichkeit so brutal und unbarmherzig ist; und sicherlich um vieles mehr. Großartiger Titel von einem großartigen Album einer großartigen Band."
Gregor: "Und wenn die Wirklichkeit dich überholt, hast du keine Freunde, nicht mal Alkohol, du stehst in der Fremde, deine Welt stürzt ein, das ist das Ende, du bist allein"
Ich kann mich gut erinnern wie vor rund 15 Jahren mir dieses Lied vorgespielt wurde und die Person so unfassbar beeindruckt davon war - als auch sentimental. Es ist ein durchaus schönes Lied, dass von jemanden handelt der immer ganz vorne sein möchte. Dafür wechselt man die Freunde, die Klamotten, die Ansichten wie andere Socken oder andere Kleidungsstücke die man so täglich wechselt. Doch genau dann wenn die Wirklichkeit eintrifft, merkt man dass man eigentlich nichts hat. Das ist mir in meinem Leben durchaus öfter mal begegnet - nicht zwingend immer bei mir selber. Also, dass die Freunde bei welchem man sich profilieren wollte und bei welchen man gut da stehen wollte eigentlich keine echten Freunde waren - sondern vielleicht eher Saufkumpanen mit welchen man gar nichts gemeinsam hatte. Wofür die ganze Mühe für jemanden der dich nicht anerkennt?
Ich habe ja schon mal die beiden Discographies von Slayer und Metallica reviewt. Irgendwann auch mal ein Album von Anthrax. Und niemals irgendwas von Megadeth, zumindest kein Album. Irgendwie findet sich einfach keine Zeit dafür. Daher, denke ich dass ich in dieser und der nächsten Ausgabe mir eben diese Bands in dieser Unterrubrik vornehme. Fangen wir also an mit Megadeth. Das erste Album heißt....
"Killing is my business...and business is good!" (1985)
Aufgenommen in der Formation: Dave Mustaine (voc, git), Chris Poland (git), David Ellefson (b, voc) und Gar Samuelson (dr).
Was für ein großartiges Piano-Intro. Und dann ein "Oooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooh!". Herrlich. Der erste richtige Song heißt "Last Rites - Loved To Death" und besteht aus für diese Zeit typischen Megadeth/Thrash Metal Sound. Dave Mustain schreit, mit relativ hoher Stimme. Es gibt irgendwelche dämonischen Einspieler. Irgendwie klingt das nach Axl Rose - und ich bin relativ sicher, dieser hat hier ordentlich abgekupfert bzw. sich inspiriert gefühlt. Im Titelsong geht es...wie könnte es anders sein... um einen Auftragskiller, der Menschen für Geld tötet. Ich mag es absolut wie Mustaine "It brings me great pleasure to say my next job is you!" singt.
Zunächst mal gefällt mir das Ganze irgendwie schon, obwohl es auf den ersten Blick irgendwie leicht
generisch erscheint. Es sind halt die typischen Zutaten für ein Thrash Metal Album. Uffta-Uffta-Schlagzeug, Gitarrensoli, dämonische Einspieler, eine ziemlich hohe Stimme und selbstverständlich Texte aus der Ich-Perspektive als auch Storytelling. So geht es zum Beispiel in "The Skull Beneath The Skin" tatsächlich um das Maskottchen der Band: Vic Rattlehead, der auch auf dem Cover abgebildet ist. Tatsächlich gibt es wohl aber auch einen Titelsong der auch so heißt: "Rattlehead". Irgendwie ist dieser äquivalent zu Metallicas "Whiplash". Megadeth covern hier auch "These Boots (Are Made For Walking") von Lee Hazlewood, dass am ehesten als Song von Nancy Sinatra bekannt ist. Was zur Hölle? Aber es funktioniert erstaunlich gut. Dabei hört sich Mustaine an wie Lemmy. Mein Lieblingssong hier rauf ist "Looking Down The Cross". Darin geht es um den Tod Jesus Christus' auf dem Kreuz. Worüber sollte es denn sonst gehen? Und tatsächlich schafft man durchaus detailreich alles zu erzählen ohne in blasphemische Klischees einzutauchen. "Mechanix" wurde übrigens geschrieben als Mustaine noch bei Metallica war - ein Teil des Songs hat der Rest der Band zu "The Four Horsemen" verwurstet. Witzig.
Fazit: Hätte nicht gedacht, das mir das so gut gefallen würde. Ich bin mal gespannt, wie sich das letzte Album anhören wird.
7,75/10 Pfandflaschen
Anspieltipps: These Boots, Looking Down The Cross, Mechanix
Und das letzte Album, tatsächlich das allerletzte weil Megadeth sich aufgelöst haben trägt den Titel...
Megadeth (2026)
Aufgenommen in der Formation: Dave Mustaine (voc, git), Teemu Mäntysaari (git), James LoMenzo (b), Dirk Verbeuren (dr).
Siebzehn Alben später hat sich einiges verändert. Von der ursprünglichen Besetzung ist nur noch Dave Mustaine übrig. Um Bassisten Dave Ellefson gab es vor einigen Jahren ein Skandal weil er...zwar rechtlich betrachtet kein Pädo ist aber mit einer 19-jährigen "seggsschreibne" gemacht hat. Dave Mustaine hat ihn also gefeuert. Nun also das letzte Album:
Selbstverständlich hat sich musikalisch auch alles verändert. Megadeth sind nicht mehr die Band die schneller und härter als Metallica sein sollte. Stattdessen haben wir eine typische Wendung zu teilweise langsameren Riffs, die zugleich melodischer und zugänglicher sind. Außerdem wendet Mustaine diese Art zu Singen an, die er sich über die Jahre angeeignet hat: Manchmal redet er mehr als er singt, und wenn dann nicht mehr in dieser hohen Tonlage. Die Texte sind durchaus persönlicher Natur - und leider auch relativ generisch. So heißt es in "I Don't Care", dass er grundsätzlich keinen Fick darüber gibt, was die Leute von ihm halten. "Let There Be Shred" ist im Grunde ein Song über die Metal Musik selbst. "Another Bad Day", mit diesem fürchterlichen stereotypen Refrain, handelt von...einen weiteren schlechten Tag. "Made To Kill" is im Grunde die Fortsetzung von "Killing is my business" und man spricht hier irgendwie von militärischen Einsätzen für den Frieden, die im Sterben von Zivilisten münden.
Teemu Mäntysaari ist ein großartiger Gitarrist, der verdammt viele Soli einstreut. Ich wusste gar nicht, dass er ursprünglich von der Band Wintersun kommt. Symphonic Death Metal war aber nie so richtig mein Ding. Dass es sowas überhaupt gibt. Jedenfalls sehe ich hier so einige Baustellen oder viel eher problematische Ansätze. Hier und da gibt es diese coolen Soli, supergeile prügelnde Drums und auch Mustaines Gesang gefällt mir...hier und da. Die Songtexte sind allerdings viel zu generisch und durchaus vorhersehbar. Es ist eine äh mixed can of beer, wie man vielleicht ausdrücken könnte. Kein zu schlechtes Album, aber auf jeden Fall eins dass gegen Ende eher schlechter wird als besser. Schwächster Song ist meiner Meinung nach "I Am War". Immerhin taugt das "Ride The Lightning"-Cover etwas.
5/10 Pfandflaschen
Anspieltipps: Ride The Lightning, Made To Kill, Tipping Point
Ulver Discography:Sic Transit Gloria Mundi EP (2017)
Erschienen zwischen "The Assassination of Julius Caesar" und "Flowers of Evil". Zweitgenanntes ist mein absolutes Lieblingsalbum von Ulver. Es sind hier ganze drei Songs zu hören: "Echo Chamber (Room of Tears)", "Bring Out Your Dead" und "The Power of Love". Die ersten beiden sind Songs die es auf das vorherige Album nicht geschafft haben. Poppig, tanzbar, sehr wavy und ziemlich ziemlich 80s, ohne jedoch zu viel an Synthies und übertriebenen Haarlack-Frisuren mit sich zu bringen. Es kingt gleichzeitig so schön old school und so modern. Man samplet sogar irgendwelche Zitate der NASA(?) aus einer Weltraum-Mission (?). "The Power of Love" kommt allerdings tatsächlich aus eben dieser Zeit, die ich grade erwähnt habe. Es ist nämlich ein Cover von Frankie Goes To Hollywood. Allerdings ist es kein tanzbarer Banger wie "Relax" gewesen, sondern etwas nachdenkliches, schunkelndes und schönes. Also genau passend für Ulver.
Diese EP ist eine von vielen Beweisen, dass diese Band alles kann, nichts muss aber trotzdem macht. Sie könnten, glaube ich, auf dem nächsten Album auch wieder Black Metal machen. Ich glaube, das würde ihnen gelingen.
"Es gibt Bands, die einfach auf einem komplett anderen Zeitstrahl leben, und dazu gehören definitiv Es War Mord aus Berlin. Wir haben es hier seit 2016 mit Hardcore Punk und Deutschpunk mit düsterer Färbung im Stile der 1980er zu tun. Und mit "Frühling der Verräter" hat die Band aus Berlin zehn Jahre nach ihrer selbstbetitelten Demo inzwischen ihr drittes Album veröffentlicht. Vom Indie-Label Sounds of Subterrania haben sich Es War Mord verabschiedet. Stattdessen erscheint "Frühling der Verräter" bei Sabotage Records. Produziert wurde das Album von Tomatenplatten-Labelchef und Beatsteaksdrummer Thomas Götz, gemischt von Karen Dhiós und gemastert von Wolfgang Gottlieb. Ein Dutzend neue Tracks bescheren uns Es War Mord, und eröffnen eine halbe Stunde lang ein Portal in eine finstere Welt. Hier, im "Frühling der Verräter" ist alles irgendwie schon verloren. Die hier beschriebene Realität könnte eine mögliche Zukunft unserer Welt sein; oder auch ein paralleler Zeitrahl, der spätestens im 20. Jahrhundert noch schlimmer abgebogen ist als unsere Welt. Der Sound erinnert oft an Chaos Z oder Fliehende Stürme, und manchmal an die (leider) weniger bekannten L'appel du vide, was keineswegs etwas Schlimmes ist. Vor allem brechen Es War Mord geschickt aus den typischen musikalischen Themen des Depro Punk oder Düsterpunk aus: das Ganze klingt rotziger, wütender, widerborstiger. Außerdem jagt hier ein Highlight das nächste. Da ist beispielsweise die Referenz auf Ton Steine Scherben "Keine Chance", die Hymne "1000 Jahre" oder auch das Hardcorepunk-Gewitter "Tod in Frankreich". Von vorne bis hinten ein großartiges Donnerwetter, auch wenn ich mich anfangs etwas an den Gesang gewöhnen musste.9/10 Pfandflaschen
