Wieder mal die obligatorische Frage: Wie zur Hölle bin ich auf diesen Comic gekommen? Nun, eigentlich wollte ich die Ausgabe#2 reviewen, weil das Cover dazu mir auf Instagram ins Auge gestoßen ist. Doch dann dachte ich mir, dass es doch viel besser wäre ganz am Anfang zu starten. Im Jahre 1987. Die erste Suicide Squad Comicreihe startet - und ist anders aber doch nicht so viel anders wie ihre späteren Inkarnationen.
Es fängt an an einem Flughafen in den USA. Mehrere Terroristen mit Superkräften (unter anderem, eine Art Ginn) greifen an. Sie bewegen sich durch Portale und greifen am Ende die Air Force One an - das Flugzeug des Präsidenten der Vereinigten Staaten. Es stellt sich allerdings heraus, dass das Ganze eine Machtdemonstration war. Es war echt. Menschen im Flughafen sind gestorben und wurden verletzt, nur damit der Präsident von dem (fiktiven) Land Qurac dargeboten bekommt was die von ihm beauftragte Truppe so alles kann. Der Flughafen war eine Attrappe, die einem US-Flughafen ähneln sollte. Als nächtes befinden wir uns im Belle Reve Gefängnis in den USA. Dort wird grade die Suicide Squad wegen der grade eben beschriebenen Situation gebrieft. Amanda Waller, Chefin der Regierungsorganisation ARGUS leitet das Ganze. Bei der "Suicide Squad" handelt es sich um eine Ansammlung von Bösewichten, die im Gefängnis einsitzen. Sie sollen bei geheimen Missionen eingesetzt werden - im Gegenzug bekommen eine Strafminderung. Dabei werden ihnen Armbänder mit Bomben umgeschnallt, die explodieren falls sie sich zu weit von ihrem Team entfernen. Ihre nächste Aufgabe ist es, nach Qurac zu reisen um dort die operative Basis von "Jihad" (des oben erwähnen Terroristenteams) zu infiltrieren und alles zu zerstören. Schließlich hat man nun anhand von Videobeweisen mitbekommen zu was "Jihad" in der Lage ist. Und bevor sie tatsächlich einen US-Flughafen angreifen und es zu spät ist, muss man nun intervenieren. Doch alles muss geheim bleiben - denn falls was schief gehen sollte, kann man die Suicide Squad immer noch liquidieren. Die Mitglieder die in der ersten Ausgabe dabei sind: Captain Boomerang, Enchantress, Colonel Rick Flag, Deadshot, Bronze Tiger und Nightshade.
Es ist eine typische Story für Suicide Squad. Ein Bedrohungsszenario wird vorgestellt, mitsamt neuer Schurken. Daraufhin wird ein Team gebrieft, welches alles andere als nett und freundlich ist weil es eben aus Bösewichten besteht. Dann wird das besagte Team auf eine Mission geschickt. Was auch typisch ist: Neckereien untereinander. Beziehungsweise eigentlich ist Captain Boomerang der einzige ekelhafte Typ der ständig am stänkern und nerven ist - und später mehr als angenervt als man ihn damit konfrontiert. Die Zeichnungen sind typisch für diese Zeit. Realistisch, aber nicht zu sehr. Natürlich passiert alles entweder mit Einbezug eines fiktiven islamischen Landes oder in einem fiktiven islamischen Land, dass eine Bedrohung für die USA darstellt. Mir hat gefallen, wie auf den ersten Seiten die Namen der Zeichner und Autoren "eingeblendet" werden, wie in einem Film. Alles in allem ist es eine durchschnittliche Durchschnittsgeschichte, die ich nicht weiter verfolgen werde. Mag sein, dass es damals ziemlich neu war. Wobei selbst das nicht ganz stimmt, schließlich wurde "Suicide Squad" von "The Dirty Dozen" und der Serie "Mission: Impossible" inspiriert. Anyways: Ist okay. Aber mehr auch nicht.
Ich weiß nicht mehr genau, wann es war. Wahrscheinlich Anfang der 2000er Jahre. Ich saß bei meinen Großeltern im Wohnzimmer und es lief entweder MTV oder irgendein russischer Sender, der zur Überbrückung der Zeit zwischen zwei Sendungen Musikvideos gesendet hat. Auf einmal lief "The Dark" von Anouk. Ich war fasziniert von der Machart und von den merkwürdigen Figuren. Die Musik fand ich auch irgendwie cool. Seitdem lebt dieses Video irgendwo in meinem Hinterstübchen.
"Urban Solitude" ist das zweite Album von Anouk Schemmekes, die sich in der Musikwelt lediglich Anouk nennt. Sie ist eine niederländische Pop/Rock-Sängerin, die ganz viel Einflüsse aus Soul, Blues und R&B gesammelt hat, als auch zeitgenössischer Musik wie Alternative Rock oder Hip-Hop. Am Ehesten würde ich den Sound den ich hier zu hören kriege beschreiben als eine Mischung zwischen Guano Apes und Alanis Morisette.
Anouk schafft es nämlich sowohl verträumt und (ha witziges Wort) melancholisch zu klingen als auch tough. Zumindest so tough, wie das ihr die poppige Schablone irgendwo möglich macht. Denn sie ist zwar eine Singer/Songwriterin, allerdings trotzdem eine Sängerin die im Pop-Mainstream bis zu den Hüften steht. Sprich jemand der poppige Musik macht, aber sie gleichzeitig selbst schreibt. So kann es nicht sein, dass diese Songs irgendwie eine besonders harte Kante haben. Aber stattdessen sind sie ehrlich, ohne besonders viel Schmalz. Es gibt schmissige Gitarren-Riffs zu hören, wirklich sehr schönen unaufgesetzten Gesang und tatsächlich sowas wie einen Rap-Part. Ich finds witzig, wie sie aus dem nichts "Do you think I'm blind, sucka!?" sagt. Man könnte es Alternative Pop oder Pop Alternative nennen. Wie auch immer. Jedenfalls habe ich es nicht bereut, mir das ganze Album reinzuziehen. Auch wenn sie wahrscheinlich live nicht angucken würde. Trotzdem: Großartiges Album. Achja: Es gibt ein Tribute an Tom Waits. Der Song heißt einfach "Tom Waits"
Interessant. Irgendwer hat mir damals Chris Rea madig gemacht. Ich glaube, das war der deutsche Comedian Thomas Herrmanns, der den Künstler als "diesen kleinen miesen Hobbit" bezeichnet hat. Oder so. Jedenfalls war das ganz schön ungerecht.
"Water Sign" ist das fünfte Album von Chris Rea. Ursprünglich wollte die Plattenfirma die Songs nicht finanzieren und so sah sich Rea gezwungen beinahe alle Instrumente selbst zu spielen. Bis auf die Drum Machine. Herausgekommen ist ein Werk irgendwo zwischen Mitte-80er-Soft-Rock, keyboardgetankten Wave und äh erdiger/kerniger Divorced Dad Music.
Doch es funktioniert erstaunlich gut. Sehr simpler, unkomplizierter Sound. Mit durchaus unkomplizierten Lyrics. Dazu kommen aber auch noch Einsätze von Saxophon und Mundharmonika. "Deep Water" ist meines Erachtens der beste Songs hierauf. Dicht gefolgt von "Candles".
Wahrlich schön und unkompliziert. Nicht aufgeblasen. Einfach n Typ, der mit etwas Unterstützung versucht gute Musik zu machen. Mehr nicht.
Anspieltipps: Deep Water, Candles, Let It Loose
7/10 Pfandflaschen
Santana:Abraxas (1970)
Carlos Santana und seine Mitmusiker kenne ich unter anderem durch meinen Vater (der mir einmal irgendwas von "Supernatural" gezeigt hat, ich glaube das war "Smooth" mit Rob Thomas) als auch durch meinen (Stief)Großvater mütterlicherseits der sich eins über eine Santana-Compilation (von Tchibo) sehr gefreut hat.
"Abraxas" ist das zweite Album von CS, erschienen im Jahre 1970. Als Cover ist ein Gemälde namens "Annonciation" von Mati Klarwein zu sehen. Der Titel bezieht sich auf den Roman "Demian" von Herman Hesse. Ich habe tatsächlich vor dieses Jahr "Supernatural" als Review rauszubringen, ich weiß leider nicht wann. Allerdings hat mich dieses Album so sehr auf "Abraxas" scharf gemacht, sodass ich mich besonders gefreut habe als ich es in Marlyns Plattensammlung entdeckt habe. Heiliger Fick. Es hat alels. Blues, Jazz, Salsa - in anderen Worten genau das wofür Santana berühmt wurde. Latin Rock. "Black Magic Woman", eines der bekannteren Songs auf dem Album hat meiner Meinung nach durchaus Anleihen an die späteren bombastischeren Werke von The Who.
Ein musikalisches Meistererzeugnis dass schafft verschiedene Stile zu verbinden, ohne das alles erzwungen klingen sondern wie aus einem Guss. Ich habe nun nichts mehr zu sagen und verlinke hier weiter unten "Oye Como Va".
Anspieltipps: Oye Como Va, Black Magic Woman, Samba Pa Ti
Alles klar, ich beende das Ganze jetzt. Wobei, so ganz richtig ist das nicht. Es kommen jetzt zwei Sampler, die am Ende des Alphabets stehen weil kyrillisches Alphabet.
58. КИНОпробы
Dabei handelt es sich um einen zweiteiligen Sampler. Ein Tribute an das Schaffen von Viktor Tzoi bzw. der Band KINO, die jedem Liebhaber von traurig klingender, russischsprachiger Musik bekannt sein dürften. Der Sampler kam Anfang der 2000er Jahre raus und beinhaltet Beiträge von damals populären russischsprachigen Alternative Rock Künstlern. Da wären Vopli Vidoplyasova (Ukraine), Zdob Si Zdub (Moldawien), Mumij Troll, Tanzy Minus, Zemfira oder Naiv. Die Songs variieren zwischen Punkrock, Alternative Rock und Indie. Das traurige ist, dass einige der Künstler - allerdings zumindest der Großteil der hier aufgezählten zum Glück nicht - mittlerweile absolute Z-Idioten geworden sind.
Ein weiteres Tribute-Album. Diesmal an Grazhdanskaya Oborona, das berühmte und durchaus umstrittene Projekt von Egor Letov. Wieder ein Album von Anfang der 2000er. Wieder mal namhafte Alternative Rock Künstler: Leningrad, Lyapis Trubetskoy, Tschish i Ko als auch einige Namen die mir relativ wenig sagen. Durchaus vielfältiger Sampler, der wie "KinoProby" die Bandbreite der russischsprachigen Alternative Szene abdeckt. Und wieder mal sind einige Künstler dabei die inzwischen Z-Idioten geworden sind.
Ich habe hier einige Sachen geschafft, die ich für unmöglich gehalten habe. Meine Plattensammlung (7inches und LPs) ist reviewt, genauso wie meine Tapesammlung. Ich habe auf dem Blog meine digitale Sammlung reviewt und nun komme ich zu einer Art Resteverwertungsprozess. Neben den Alben auf meiner externen Festplatte befinden sich zwei Ordner. Sie heißen "Einzelne Songs" und "Einzelne Songs 2". Darin finden wir überreste von alten MP3-Playern usw. usf. Im ersten Ordner sind tatsächlich "Überreste", also Sachen die irgendwann runter geschmissen wurden weil zu wenig Speicherplatz.
- Einzelne Songs:
Meine Fresse ist das wild. Ich finde hier zwei Unterordner: "Dolphin" und "Saalschutz". Im ersten natürlich ein paar Songs des russischen Rap/Trip-Hop-Künstlers "Delfin", im zweiten einige wenige Songs der Electro Punk Band "Saalschutz". Unter anderem "Während du feierst stirbt dein Volk". Dazu kommen aber noch so Sachen wie "Hybrid Stigmata" von Dimmu Borgir (wie kommt es hierhin???), "No Emotions" von Combichrist und das Cover von KoRns "Make Me Bad" von Rapper Danny Brown. Wenn wir schon bei KoRn-Covern sind. "Need To" wird hier von Staind gecovert. Keine Ahnung wie ich dran gekommen bin. Nicht weniger interessant ist aber "What Have I Done" - ein Synthpop Song von einem jungen Jonathan Davis. Was "Warum" von GZUZ hier zu suchen hat kann ich auch beantworten. Ich fand's damals halt ziemlich geil und hab's mir von YouTube gezogen. Ebenso wie "Ich und mein Pony" von The Toten Crackhuren im Kofferraum.
Das wars mit dem ersten Ordner. In zwei Wochen fang ich an, den zweiten hier auseinderzupflücken.
Letztes Album von Linkin Park mit Chester Bennington am Gesang vor seinem Suizid im Jahre 2017. "One More Light" bewegt sich ein großes Stück weg von "The Hunting Party". War das Album davor noch ein Schritt zurück zu den Nu Metal Wurzeln der Band und eine Art Verneigung vor "Hybrid Theory" ist von eben dieser Verneigung oder geschweige denn Gitarren eigentlich gar nichts mehr hier zu hören.
Es ist ein durchweg emotionales Album, welches sehr viele persönliche Dinge anspricht, die im Chesters Privatleben passiert sind. Mit den Texten wollte er auch ein Publikum erreichen, dass ähnliches durchgemacht hat um zu zeigen, dass sie nicht alleine sind. Eines der Songs hierauf, die für viel Aufruhr gesorgt haben war "Heavy". Ein sehr poppiger, emotionaler Song der viel im Radio gespielt wurde. Ich verstehe den Text heutzutage viel mehr als damals. Ich verstehe Chester generell viel mehr als damals.
Dazu kommen noch selbstverständlich Rap Parts von Mike Shinoda, Gastparts von den Rappern Stormzy (yeah) und Pusha T (meh) als auch Sängerin Kiiara (auf "Heavy"). Wie schon gesagt: Ich verstehe das alles, warum die Texte so sind wie sie sind. Im Grunde nicht viel anders als auf anderen LP-Veröffentlichungen. Das hat alles seine Daseinsberechtigung. Mir gefällt allerdings dieser Schritt Richtung Electro Pop/Wasauchimmerdasseinsoll absolut nicht. Es fehlt die Schärfe des ursprünglichen LP-Sound, die den Texten die nötige Schwere und eine gewisse Echtheit verliehen hat. So klingt alles auf einmal plötzlich sehr weinerlich und in meinen Ohren einfach unnötig poppig. Ich find's wirklich sehr schlimm. Wie gesagt: Das liegt nicht an den Texten sondern am Sound. Das ist nicht mein cup of tea.
Keine Bewertung
Anspieltipps: Good Goodbye
Opeth Discography:Heritage (2011)
Erstes Album von Opeth nach "Watershed" (2008). Damals zeichnete sich schon seit ein paar Alben eine langsame Abkehr von Death Metal. Hier hat man den Schritt zu Ende durchgeführt. Opeth sind nun, zumindest auf diesem Album, keine Progressive Death Metal Band mehr. Stattdessen fokussiert man sich komplett auf dem "Progressive" Teil in der Genre-Bezeichnung. Das heißt: Keine shreddernden Riffs, keine gutturalen Vocals mehr, kein immer mal wieder vorkommendes Blast Beat Inferno. Opeth
sind nun eine Progressive Rock Band, die aufgrund der Komplexität bei den Instrumentals auch etwas ins leicht Jazzige abdriftet.
Im Grunde genommen bleibt man beim alten - nur wechselt man das Genre. Und ich meint das ernst mit "jazzig". Es gibt hier einige Momente, die auch auf alten Jazz Rock Alben der 1970er auftauchen könnten. Wie schon auf vorherigen Alben wechselt man zwischen ruhigen und aufwühlenden, energischen Passagen. Nur sind die letztgenannten keine komplexen Death Metal Riffs sondern, wie jetzt zum dritten Mal erwähnt, jazziges, progressives Gefrickel. Es ist merkwürdig, wie plötzlich das kommt - dabei empfinde ich das nur so, weil ich die Alben nacheinander höre. In Wirklichkeit liegen ja drei Jahre dazwischen. Eine Band die einst düsteren DM gemacht hat, macht jetzt groovy progressive Jazz Rock. Abgefahren. Das Artwork ist gleichzeitig eine Verneigung vor den eigenen Wurzeln als auch eine Art Hinwendung zu der Zukunft. Der Baum stellt eine Verwurzelung in der Hölle (Death Metal) und eine Zukunft mit sonnigen Aussichten. Selbst ehemalige Bandmitglieder sind hier als Totenschädel verewigt. Steven Wilson von Porcupine Tree hat das Ganze produziert und betrachtet es als Teil einer Trilogie - die anderen Teile sind sein Soloalbum "Grace for Drowning" und dem selbstbetiteln Album von Storm Corrosion (dabei handelt es sich um eine Zusammenarbeit zwischen und Mikael Akerfeldt). Ein bestimmtes Konzept kann ich bei dem Album nicht erkennen - allerdings geht es, wie der Titel schon anmutet um das Erforschen eigener musikalischer Wurzeln. Überraschend gutes, eingängiges Werk.
8/10 Pfandflaschen
Anspieltipps: Famine, Haxprocess, The Devil's Orchard
Nun sind wir am Ende der "Decline"-Trilogie von Penelope Spheeris angekommen. Tatsächlich erinnerte ich mich an den ersten und den letzten Film am meisten. Liegt vielleicht daran, dass ich den zweiten gar nicht gekannt habe. Wie auch immer. Scheinbar ist das Motiv "jemand brät sich ein Spiegelei" in jeden der drei Filme zu sehen. So war es zuerst Darby Crash von The Germs, dann Ozzy Osbourne und nun ist es nun ein gewisser Eyeball Skinner von der Band "The Resistance".
Aufgenommen zwischen Juli 1996 und August 1997 erzält der dritte Part nicht vorrangig vom Leben irgendwelcher OG-Hardcore Punk Bands und auch nicht von irgendwelchen Rockstars die dabei sind
sich selbst zu zerstören. Stattdessen fokussiert sich der Film auf die damals gegenwärtige Hardcore Punk Szene. Vier Bands wurden bei ihren Auftritten gefilmt: Naked Aggression, Final Conflict, Litmus Green und The Resistance. Dabei werden die erst- und letztgenannten ausführlichst interviewt. So handelt es sich bei NA um politisch motivierte Leute, die eine musikalische Ausbildung genossen haben, zumindest teilweise, und sehr motiviert sind ihre ablehnende Haltung gegenüber Polizeigewalt und Rasissmus unter die Leute zu bringen. Währenddessen besteht The Resistance, soweit ich das verstanden habe, aus Squat Punx - zumindest zum Teil die in ihren Songs von ihrem Alltag berichten als auch von sexuellen Vorlieben. Achja und Eyeball brät sich ein Ei. Es wird auch Keith Morris (ex-Black Flag, zu dem Zeitpunkt Circle Jerks) interviewt und für einen Moment sogar Flea (ex-Fear, die im ersten Film aufgetreten sind als auch RHCP). Rick Wilder (ein sichtlich von Drogen gezeichneter OG von der Band "The Mau-Mau's") spricht im Interview über die frühere Punkszene. Doch viel interessanter sind die zahlreichen Interviews mit als auch Einblicke in die Leben verschiedener Gutterpunx (so nennt man diejenigen, die auf der Straße leben): Squid, Hamburger, Why-Me?, Troll oder Spoon. Die Jugendlichen kommen aus gewalttätigen und vernachlässigenden Elternhäusern und wurde teilweise in sehr jungen Alter auf die Straße gesetzt oder kamen sehr früh mit harten Drogen oder Alkohol in Berührung.
Diesmal fokussiert sich der Film weniger auf die Musik als auf den "Followern", den "Fans". Es geht aber weniger darum, was die Musik ihnen bedeutet sondern wie ihr Leben aussieht und wie sie zu diesem Leben gekommen sind. Manch einer scheint schlechter auszusehen als der andere, manch einer besser als der andere. Es kann sein, dass 1-2 von ihnen aus einem eigentlich wohlhabenden Hause kommen - aber andere Umstände sie dazu gezwungen haben, von dort abzuhauen. Der Film ist nicht dazu da, wie ein Voyeur diese ganze Tristesse anzuglotzen. Tatsächlich ist er, meiner Meinung nach, dafür da, um zu realisieren wie wertvoll menschliches Leben ist und dass es nicht auf den Müll geworfen gehört. Außerdem realisiert man dabei noch mehr, wie froh man ist dass man unter geregelten Umständen leben kann, einen Schlafplatz hat, was zu Essen hat. Manche von hier abgebildeten Punx haben sich freiwillig für dieses Leben entschieden, weil ihr Zuhause voll mit Gewalt und Missbrauch war. Ihre Freunde von der Straße wurden ihre Ersatzfamilie. Dabei sind sie so ehrlich und sagen in die Kamera, dass sie die nächsten fünf Jahren wahrscheinlich nicht erleben werden. "Decline" 3 ist der wahrscheinlich verstörendste und herzzerreißendste Teil der Reihe. Ja, es mag sein, dass einiges gefilmt wurde um etwas mehr Aufmerksamkeit zu erregen - aber ich finde dass die Aufmerksamkeit ruhig auf diese Leute gelenkt werden sollte.
Ich vermute mal, dass ich auf diesen Comic gekommen weil Instagram mir gerne Werke von Comic-Autor/Zeichner Todd McFarlane vorschlägt. Tatsächlich hat dieser das Cover hier gezeichnet. Sein Name ist auf dem Cover auch vermerkt, jedoch im Heft nicht. Was ich schade finde.
Geschrieben von Jim Starlin, gezeichnet von Dave Cockrum. Die Geschichte in der Ausgabe#423 von September des Jahres 1988 zeigt drei klitzekleine Batman-Stories aus der Sicht von drei Gothamer Polizeibeamten die alle in der gleichen Nacht auf den Dunklen Ritter getroffen sind. Jeder von ihnen erzählt seine Story. Den Anfang macht ein Polizist namens Bart. Dessen Aufgabe war um 2:45 nachts den Selbstmord eines jungen Mannes namens Kenny zu verhindern. Kenny selbst ist heroinsüchtig und sieht keinen Sinn mehr im Leben. Als Batman auftaucht und es auch nicht schafft, dass er nicht springt kommt es zu Folgenden: Batman springt hinterher und wird von einer eigenen Enterhaken-Vorrichtung aufgefangen. Er fängt den Jungen und redet so lange auf ihn ein, bis dieser seinen Fehler einsieht. Der andere Polizeibeamte namens Greg erzählt hingegen eine etwas andere Story. Darin ist Batman nicht schockierend sondern gewalttätig. So verhindert dieser nach einem Überfall durch eine Bande Punks auf ein Kiosk schlimmeres. Er verprügelt alle Bandenmitglieder und bedroht einen. Dabei sagt er, dass er in der Lage ist die allerschlimmsten Schmerzen auf der Welt zu verursachen. Die Sache endet damit, dass der Punk durch ein Fenster fliegt. Der dritte Cop im Bunde setzt sich am Ende der Ausgabe mit an den Tisch in einem Diner, in welchem die beiden anderen dinieren und erzählt wiederum was anderes. Er war heute nacht auf Patrouille als er zwei Kinder gesehen hat, die bei seinem Anblick weggerannt sind. Er wollte ihnen nichts tun, sondern wahrscheinlich sie zu ihren Eltern bringen. Es war immerhin sehr spät. Leider konnte er sich nicht einholen - bis Batman aufgetaucht ist. Das ältere von den beiden Geschwistern erzählte wie ihre Mutter gestorben ist, ihr Vater mit ihnen nach Gotham kam wegen eines Jobs und schlußendlich abgestochen wurde. Als man sie versucht hat in zwei unterschiedliche Kinderheime zu stecken, flüchteten sie und leben seitdem auf der Straße. In einer Box unter einer Brücke. Batman hört sich die Geschichte an und ist sichtlich gerührt. Die beiden anderen Cops können Jackson jedoch kaum glauben. Am Ende der Story sieht man wie die beiden Kids in einem Gästezimmer im Wayne Manor übernachten während Bruce Wayne seinen Butler Alfred damit beauftragt die nächsten Verwandten der beiden ausfindig zu machen.
Wenn man das Cover sieht, denkt man dass es sich wahrscheinlich um eine Entführungsgeschichte handelt. Batman hält hier eine Frau in seinen Armen, die sich nun sicher zu fühlen scheint. Fast so als hätte er sie aus den Fängen von Kidnappern gerettet. Doch damit hat die Story absolut nichts am Hut, wie ihr gerade gelesen habt. Stattdessen macht man den gleichen Move, wie später in der 1992er Batman-Zeichentrickserie oder noch später in "Batman: Gotham Knight". Man lässt drei Personen ihre drei Sichtweisen auf Batman schildern. Eine durchaus gelungene Maßnahme, um die verschiedenen Facetten des Dunklen Ritters zu zeigen. So verstehe ich zwar, dass er den H-Abhängigen beinahe anschreit, er solle sein Leben in Griff kriegen - dabei werden aber die Ursachen komplett unterschlagen. Er ist gewalttätigen Bandenmitgliedern, die drohen eine Frau zu töten, gegenüber selbst gewalttätig. Und zu guter letzt zeigt er sein großes Herz, wenn es um obdachlose Kinder geht. Eine meiner Meinung nach recht treffende Darstellung. Mit einem Bein steht die Story irgendwo kurz vor den brutalen 1990ern, mit dem anderen allerdings in den fröhlichen 1960ern. Schön bunt und durchaus realistisch gezeichnet ohne jedoch einen cartoonesken Touch zu verlieren - fast wie in "The New Adventures of Batman". Interessanter Ausflug.
Ich weiß nicht mehr genau, wie ich auf dieses Album gekommen bin. Entweder wurde es mir, wegen des absolut großartigen Covers zugeschickt oder ich weiß nicht. Nur um es mal, runterzubrechen: Ein Jesus in JNCO-Jeans (das sind doch welche, oder?), der von mehreren Leuten umringt ist. Darüber der grade mal so lesbare Bandschriftzug und dadrunter der Titel "He Is Rizen". Ganz genau, mit einem Z. Auch die Aufgaben der Bandmitglieder werden mit Zs versehen. So haben wir Drumz, Vocalz, Stringz. Nur bei "Bass" hat man kein Z hinzugefügt. Achja, mit drei Tracks ist es nicht wirklich ein Album sondern eher eine EP. Aber das ist meine Interpretation. Was zur Hölle ist das hier überhaupt?
Fünf Bandmitglieder, darunter zwei Vocalists (480Troy und Rolo) präsentieren eine kurzweilige jedoch äußerst brutale Death Metal EP. Und zwar aus der Sparte "Brutal Death Metal". Direkt aus Phoenix, Arizona präsentieren die beiden oben genannten Sänger plus Dillon an der Gitarre, Seth and den Drumz und Taylor am Bass ganze drei Songs: "Pain Is Free", "He Is Rizen" und "Savage State Of Mind". Dabei funktioniert alles nach der Formel "Wir machen Death Metal aber haben kein Problem mit Deathcore und überhaupt ich mach jetzt ÜÜÜÜH ÜÜÜH ÜÜÜH ÜÜÜÜÜÜH". Überhaupt ist das hier mein Lieblingszitat. In "Pain Is Free" heißt es tatsächlich "ÜÜÜH ÜÜÜH ÜÜÜH ÜÜÜH ÜÜÜH ÜÜÜH OOOOOOOOOOOH!". Es ist fantastisch. Brachiale Drums, Breakdowns, ein Bassist den man kaum hören kann und zwei Sänger die sich anhören wie drei weil einer die Stimmlage wechseln kann. Zumindest höre ich das irgendwie heraus. Es geht höchstwahrscheinlich um verschiedene Aspekte von zwischenmenschlichen Abgründen. Und natürlich samplet man irgendeinen Horrorfilm, den ich jetzt nicht kenne.
Holy fuck, ist das hohl. So hohl. So hohl. Und zwar so hohl, dass es wiederum sehr viel Spaß macht, anzuhören. Heiliger Fick, ist das großartig.
8/10 Pfandflaschen
Anspieltipps: Lol, es sind doch nur drei Songs die ich oben schon erwähnt habe.
Und weiter geht die fröhliche Reise ins Land von "24". Diesmal behandeln wir zwei...Fortsetzungen oder so in der Art.
24: Live Another Day
Kaum ging es letztens erst mit der Hauptserie zu Ende, schon geht es an der gleichen Stelle weiter. "24: Live Another Day" ist im Grunde genommen eine Fortsetzung, kein Ableger, kein Spin-Off. Anstelle von 24 Folgen haben wir hier ganze 12. Doch eins nach dem anderen.
Wir befinden uns in London. Jack Bauer (immer noch Kiefer Sutherland) ist hier untergetaucht weil er sowohl von der US- als auch von der russischen Regierung gesucht wird. Schließlich hat er in der letzten Staffel aus Rache für den Tod von Renee Walker Mitglieder der russischen Regierung verletzt oder getötet. Chloe (Mary Lynn Rajskub), eine ebenfalls ehemalige CTU-Agentin und Bauers Vertraute hat sich einer Gruppe von Hackern angeschlossen. Sie selbst ist mittlerweile Whistleblowerin und wurde vom Londoner Zweig der CIA verhaftet. Man vermutet dort, dass Bauer einen Anschlag auf US-Präsident James Heller (William Devane), der in Staffeln 4-5 Außenminister war, plant. So findet man und verhafet ihn. Dies war allerdings nur eine Finte Bauers um irgendwie in die Nähe von Chloe zu kommen und sie da rauszuholen. Warum ist Heller in Großbritannien? Nun, es geht ihm um ein Treffen mit der britischen Regierung. Die USA sollen eine Drohnenbasis auf der britischen Insel Diego Garcia weiter betreiben dürfen. Zu blöd nur, dass eine amerikanische Drohne von jemand unbekanntes aus der Ferne manipuliert wird und mehrere britische Soldaten tötet. Es kommt zu einen Skandal. Der zuständige Drohnenpilot wird verhaftet und ihm werden mörderische Absichten unterstellt. Tatsächlich scheint jemand wirklich vorzuhaben, ein Attentat auf Heller durchzuführen. Jack tut sich mal wieder mit Chloe zusammen um näheres rauszufinden und das aller aller schlimmste zu verhindern.
Diesmal hat man die Handlung immer noch in 24 Stunden untergebracht, allerdings in 12 Folgen. So findet vor der letzten Folgen ein Zeitverschiebung von 12 Stunden statt. Eine ziemlich einfache Lösung. Alles findet immer noch in Echtzeit statt. Und zwar alles genauso unrealistisch viel für "nur" 24 Stunden. Man hat einfach die Handlung von L.A./Washington/N.Y. nach London versetzt und die britische Schauspiellegende Stephen Fry als Premierminister engagiert. Chloe sieht aus wie eine äh Goth-Hackerin. Nachdem ihrer Familie wirklich super schlimmes widerfahren ist, ist sie voller Trauer. Darum muss sie jetzt wie Noomi Rapace in diesen Stieg-Larsson-Verfilmungen aussehen. Es ist eine durchaus würdige Fortsetzung, die zeigt was passiert nachdem man Jack gesagt hat "nun äh sie sind frei, laufen sie weg, weil äh wir müssen sie leider jagen, so rechtlich gesehen dies das" und er geantwortet hat "ja boah keine ahnung macht das halt, mir egal. ihr kriegt mich nie". Wieder mal Intrigen über Intrigen. Ein Verräter in eigenen Reihen. Ein "Rogue Agent" wie Bauer, der offiziell mit den Behörden zusammenarbeitet obwohl er eigentlich hätte verhaftet werden müssen. Russland. Chinesen. Araber. Anschläge. Alles wie gehabt. Ich hatte Spaß daran, jedoch trotzdem sieht man hier schon einige Ermüdungserscheinungen. Irgendwo kopiert sich die Serie selbst und schafft so einen gewissen Nostalgie-Effekt. Es ist in Ordnung.
24: Legacy
"24: Legacy" darf definitiv gleichzeitig als Fortsetzung der ursprünglichen Serie (weil hier Charaktere daraus vorkommen) als auch als Spin-Off betrachtet werden - denn insgesamt hat sie nichts mit Jack Bauer und seiner direkten Umgebung zu tun.
Im Mittelpunkt der Ereignisse steht Eric Carter (Corey Hawkins). Er ist ehemaliger Army Ranger, der einst für die CTU gearbeitet hat. Eines Tages wird das Haus überfallen, in welchem er als auch seine Frau Nicole (Anna Diop) wohnen. Die Angreifer sind islamistische Terroristen, die irgendein bestimmtes Paket haben wollen. Eric ist ratlos, ergreift aber die Initiative - und auch Nicole kann sich mit Einsatz von Schußwaffen wehren. Es stellt sich heraus, dass Eric einst an der Liquidierung des dschihadistischen Terroristen Ibrahim Ben-Khalid beteiligt war, zusammen mit anderen Soldaten die inzwischen ein bürgerliches Leben führen. Ben-Khalids Sohn Jadalla (Raphael Acloque) ist in der Hierarchie aufgestiegen und hat die ursprüngliche Terrorgruppe fortgeführt - um unter anderem seinen Vater zu rächen. Sein Vorhaben: eine Liste von verschiedenen Schläferzellen finden um sie zu aktivieren, damit sie Terroranschläge in den USA verüben. Eric arbeitet nun mit der CTU zusammen, um die Terroristen zu finden und auszuschalten. Die CTU hingegen wird u.a. vertreten durch die ehemalige Direktorin Rebecca Ingram (Miranda Otto, bekannt u.a. aus Herr der Ringe) - sie hingegen war einst für die Liquidierung Ibrahim Ben-Khalids verantwortlich und ist somit eines der Ziele der Terrorgruppe.
Ich habe versucht, nicht zu spoilern, aber ich hätte es genauso tun können. "24: Legacy" bietet den Zuschauern ehrlich gesagt nicht viel neues. Das gleiche Schema mit den 24 Stunden in Echtzeit, allerdings gepresst auf 12 Folgen, die irgendwann 11 Stunden überspringen. Ein Hauptcharakter der besessen von seinem Job ist. Seine Partnerin, die mitfühlend ist und von seiner Besessenheit beunruhigt ist. Agenten der CTU die voll aufs Ganze gehen, Intrigen innerhalb der Strukturen, Menschen die ausgeknockt werden müssen, gefoltert und verprügelt werden müssen. Es macht Spaß, sich das ganze anzugucken. Aber nur wenn man den Aspekt ausblendet dass es eigentlich ziemlich hohl ist. Was heißt "ziemlich"? Es ist absolut hohl.
Und schon sind wir beim zweiten Teil der Reihe angekommen, den ich tatsächlich bis jetzt nicht gesehen habe.
Der Titel ist leicht irreführend. Schließlich geht es hier zwar auch um Heavy Metal, aber größtenteils stehen Hair Metal Bands im Fokus die jetzt nicht wirklich "Heavy" im ursprünglichen Sinne sind. Aber egal. Ähnlich wie im ersten Teil werden bei einem Auftritt die Warnungen vorgelesen, dass die Konzerte zu Dokumentationszwecken aufgenommen werden. Danach geht es ähnlich zu wie im ersten Teil. Regisseurin Penelope Spheeris dokumentiert eine bestimmte Szene. Und zwar die von Los Angeles in den Jahren 1987-1988. In den Interviews glänzen zu dem Zeitpunkt bereits Veteranen des Hard Rocks wie Paul Stanley und Gene Simmons (beide KISS), Ozzy Osbourne (ex-Black Sabbath), Steven Tyler und Joe Perry (beide Aerosmith) und Alice Cooper. Darüber hinaus kommen noch sehr junge Bands zu Wort wie Faster Pussycat, Seduce, Odin, London, Tuff, W.A.S.P. als auch die einzige All-Female-Band Vixen. Während die Alteingesessenen darüber sprechen, dass es keine gute Idee war irgendwann so viele Drogen und Alkohol zu konsumieren und dass sie jetzt froh darüber sind, viel Geld und ein sicheres Zuhause zu haben, sind die jüngeren unter den Interviewten fest davon überzeugt dass sie es "schon irgendwann schaffen werden ein Rockstar zu sein". Ohne jeglichen Backup-Plan. Und wenn alles nicht klappt, dann scheiß drauf. Während Ozzy Osbourne in seiner "verrückte Hausfrau Ära", KISS und Aerosmith grade mal so irgendwie in das Glam Metal Schema passen, ist das bei Megadeth bzw. Dave Mustaine nicht der Fall. Er will einfach nicht ins Schema passen, weil die Texte seiner Band sich nicht um Sex und Drogen drehen. Ähnlich sieht es aus bei Lemmy von Motörhead.
"The Metal Years" wurde kontrovers diskutiert. Es ist nämlich bekannt dass Elemente von zwei Szenen, nämlich das Interview mit Chris Holmes von W.A.S.P., als auch ein Teil des Ozzy-Interviews gefaket sind. So übertreibt Holmes ganz offensichtlich indem er sich Vodka ins Gesicht schüttet. In einer in der Post-Produktion manipulierten Szene sieht man wie eine Hand (die scheinbar Ozzy Osbourne gehört) Orangensaft verschüttet (bitte keine Money Boy Anspielungen). Ansonsten hat man über diesen Film behauptet, dass er teilweise daran Schuld ist, dass die Glam/Sleaze Metal Szene schlußendlich untergegangen ist und Thrash Metal als auch Grunge am Ende die Oberhand hatten. Es ist ein zweischneidiges Schwert. Sicher, einige haben das gesehen und dachten sich "meine Fresse, was sind das nur für Vollidioten die nur Titten, Drogen und Sex mit Minderjährigen" im Kopf haben, sodass sie erst recht nichts damit zu tun haben wollten. Andererseits war diese Szene bereits eh schon dabei sich zugrunde zu richten. Alleine durch den ewig währenden Drogen- und Alkoholkonsum. Kein Wunder dass härtere und etwas klügere Bands wesentlich erfolgreicher waren. Nicht jeder im Film interviewte Musiker ist hier ein Vollidiot. Ozzy, Lemmy und Alice Cooper wirken tatsächlich am vernünftigsten. Die ganzen weiblichen Protagonistinnen scheinen auch einen wesentlich vernünftigeren Plan von der Zukunft zu haben - im Gegensatz zu den Männern. Zumindest die meisten. Es gibt hier allerdings genauso Frauen die nur Sex und Rock'N'Roll im Kopf haben. Interessant ist auch, wie androgyn die Männer ausgesehen haben und wie attraktiv das auf Frauen gewirkt hat. Der Film ist keine "Fortsetzung" vom ersten Teil in dem Sinne, dass er an die Handlung ansetzt. Er zeigt L.A. aus einer anderen Sicht. Diesmal steht nicht die Gewalt in der Szene im Vordergrund sondern Sex und Drogen. Es ist ein Fest des Kringelns. Vieles hier gesagte, geht einfach gar nicht klar - ähnlich wie im ersten Film. Allerdings ist es nun mal ein Zeugnis der damaligen Zeit. Und das ist nun mal so.
Im Pandemie-Jahr 2020 wurde "Skybound Entertainment", die Firma die bei Image Comics solche Titel wie "The Walking Dead" und "Invincible" veröffentlicht hat, ganze zehn Jahre alt. Da aber, wie wir wissen, das passiert ist was passiert ist, verzögerte sich die Jubiläumsfeier um ein Jahr. Folglich hat man im Jahr 2021 eine fünfteilige Reihe namens "Skybound X" rausgebracht. Eine wöchentliche Anthologie-Reihe, ähnlich wie "Dark Horse Presents" in den 1980ern/1990ern die die besten Reihen noch mal präsentiert bzw. um Bonus-Stories erweitert. In der ersten Ausgabe hat man es mit The Walking Dead, Ultra Mega und Manifest Destiny zu tun. Es handelt sich dabei um komplett neue Geschichten. Und hier bin ich, fünf Jahre zu spät, der das ganze in einem Review verwurstet.
Den Anfang macht "Rick Grimes 2000", eine Story die auf einer Back-Up-Story aus der 75ten Ausgabe von "The Walking Dead" basiert und logischerweise nicht kanonisch ist. So haben Autor und Schöpfer Rob Kirkman als auch Zeichner Ryan Ottley folgendes Szenario erschaffen: Rick war ein Kleinstadtpolizist, bis die Zombie-Epidemie kam und er ein Anführer einer Gruppe von Überlebenden wurde. Eines Tages verschwand er allerdings und nun wacht er in einem außerirdischen Raumschiff auf. Ab da wird die Geschichte richtig Bonkers. Nachdem er festgestellt hat, dass er eine mechanische Hand hat, zieht er sich das nächstbeste Kostüm an, was er findet und wird aus dem Raumschiff zurück auf die Erde geschleudert. Dort trifft er auf seine totgeglaubten Freunde Martinez, Axel und Tyreese. Es stellt sich heraus, dass Aliens hinter der Zombie-Epidemie stecken. Ihr Plan war, die ganze Erde auszurotten, sodass sie an das wertvolle Wasser rankommen. Nun, da es einen enormen Widerstand der Menschen gibt stecken die Aliens diese in Kostüme, statten sie mit Fähigkeiten aus, zur Not holen sie sie zum Leben zurück und lassen sie als Armee für sich kämpfen. Gegen die Zombies. Und dass das Wasser bitteschön geerntet wird. Viele haben angefangen sich dagegen zu wehren - andere, wie der eigentlich bereits verstorbene Governor nahmen das Angebot dankend an und fungieren nun als Einpeitscher.
Holy fucking macaroni. Der Governor ist wieder da. Michonne ist grade mal ein Panel lang zu sehen. Lori lebt und darf als des Governors Beinanhängsel auf seiner fliegenden Plattform dabei sein. Außerdem: Rick Grimes bedient einen Lichtschwert. Ryan Ottley hat alles in seinem unverkennbaren Invincible-Stil gezeichnet, sodass die umgesetzte Idee von finster/traurig zu bonkers/nochmehrbonkers mutiert und alles wie das explodierte Arschloch eines Currywurst-Essers mit 123456789000 Scoville aussieht. Gedärme, Blut, alles. Alles ist da. Es ist höllisch witzig und einfach nur großartig.
8/10 Pfandflaschen
Coming Up next: "The True Story of Ultra-Mega" von Autor und Zeichner James Harren als auch Kolorist Dave Stewart. Falls ihr mehr über den Comic wissen wollt, so guckt mal in mein Review rein, dass ich vor einigen Jahren geschrieben habe. Diesmal handelt es sich um einen Rückblick. Seth erzählt dem Jungen Noah wie es damals war als die plötzlich eine Seuche Menschen in Kaijus verwandelt hat und er gesehen wie ein riesiger Ultra Mega Helden gegen einen solchen Kaiju gekämpft hat. Seth war damals noch ein pickliger Junge, ein Pizzalieferant. Bei einem Kampf sahr er wie ein Ultra Mega auf die Straße gefallen ist und jedes seiner Atemzüge sich wie ein vorbeifahrender LKW angefühlt hat. Er war damals froh darüber, nicht an seiner Stelle zu sein - heutzutage schämt sich für er seinen damaligen Gedanken.
Leider eine sehr kurze Story, die allerdings in der zweiten Ausgabe von Skybound X fortgesetzt wird. Da ich aber höchstwahrscheinlich nicht dazu kommen werde, sie zu lesen, bleibt es für mich bei dieser kurzen Story. Zumindest was den Rückblick betrifft. Denn ich habe tatsächlich schon die ersten vier Ausgaben gelesen, allerdings auch nicht mehr - wieder aus Zeitmangel. Jedenfalls, ganz egal wie relativ simpel die Geschichte ist - die Zeichnungen sind außerordentlich gut und wirklich eindrucksvoll. Nicht nur wegen der Thematik sondern wegen der Farben sieht es aus wie ein Kaiju-Film aus den 1970ern. Dark, gritty und irgendwie erinnert mich das ganze an John Carpenter's "The Thing", dass auf "Ultraman" trifft. Einfach fantastisch. Immer noch.
8/10 Pfandflaschen
Nächster Halt: "Fezron Fezroff" aus dem Hause "Manifest Destiny" von Chris Dingess und Matthew Roberts. Ich habe in meinem Leben vielleicht eine Ausgabe der Reihe gelesen - und wenn, dann war das vor ziemlich langer Zeit. Vor über zehn Jahren. Jedenfalls erinnere ich mich nur grob, worum es ging. Die Handlung spielte sich ab im 18. oder 19. Jahrhundert, jedenfalls zur Zeit als die ersten Siedler in das neue Amerika gezogen sind. Und irgendwie ging es ums Übernatürliche (?). Naja, jedenfalls hat diese Geschichte nicht wirklich was damit zu tun. Sie spielt nämlich aus der Sicht einer kleinen Kolonie von Vögeln. Eines Tages ruft der Obermacker der Kolonie mehrere Vögel zu sich und kündigt eine Todesstrafe für sie an, aus Gründen. Dawhoggs (ja, so heißt ein Vogel) Verbrechen ist, dass er scheinbar mehrere Weibchen geschwängert hat. Als jedoch festgestellt wird, dass ein unheimliches Wesen mit Klauen mehrere Eier geklaut hat, bietet sich ausgerechnet Dawhogg an, den Dieb zu finden und die Eier wieder nach Hause zu bringen. So wandert er in der Weltgeschichte herum, bis er einen Verkaufsstand eines Chupacabras vorfindet, der "magische Eier" verkauft.
Was für ein absoluter bonkers shit. Erinnert mich, zeichnerisch an die Looney Tunes bzw. Merry Melodies Cartoons aus dem Hause Warner Bros. Vom Inhalt her, vor allem wegen der Gewalt und fließenden Blut, aber irgendwie an die "Happy Tree Friends"-Cartoons. Was für eine merkwürdige, abgefahrene aber auf gewisse Art süße Geschichte. Mit kaputten Eiern. Und ausgeweideten Tieren. Nicht ganz so fantastisch wie die Stories davor, aber immerhin.
7/10 Pfandflaschen
Die letzte Story findet wieder im "The Walking Dead"-Universum statt. Allerdings nicht im Comic-Universum und auch nicht im Serien-Universum. Es geht um den Character Clementine, bekannt aus der Videospielreihe "The Walking Dead" (von Telltale Games). Die Story wurde gezeichnet und geschrieben von Tillie Walden.
Diesmal handelt es sich um einen Schwarz/Weiß-Comic. Ich weiß nicht, was im Spiel passiert ist aber allem anschein nach sammelt die Teenagerin Clementine ihr Hab und Gut, um abzuhauen. Sie hat nur noch ein Bein, am zweiten klebt eine provisorische Prothese aus Holz. Sie bewegt sich mithilfe von Krücken und kann Messer und Pistole gegen Zombies einsetzen. Doch nachdem sie eine Karte studiert hat und mehrere Dinge eingepackt hat, wird sie überrascht. Nicht von einem Zombie, sondern von AJ. Dabei handelt es sich um einen Freund, den sie seit seiner Geburt kennt. Der Junge hat viel von ihr gelernt, liebt sie wie eine Schwester und ist sichtlich darüber enttäuscht, dass sie nun vorhat abzuhauen. Der Grund dafür: Der Ort an dem die beiden (sehr wahrscheinlich mit anderen Überlebenden) sich angesiedelt haben (eine alte Schule) ist keiner, der sie glücklich macht. Nun macht sie sich auf, irgendwo anders hin.
Wieder eine ziemlich kurze und etwas wortkarge Geschichte. Allerdings braucht man nicht immer Worte um irgendwas treffend darzustellen bzw. Gefühle auszudrücken oder einfach die Story geschehen zu lassen. Trotz des ernsthaften Settings erinnern mich die Zeichnungen an die Kinderserie "Caillou". Es ist irgendwie unschuldig, liebenswert und gleichzeitig traurig. Meiner Meinung nach eine gute Manifestation von Verlustängsten. Ich würde da tatsächlich gerne mehr von lesen.
Ich bin mir sehr sicher, dass ich irgendwann schon mal in dieses Album reingehört habe. Alleine weil ich schon mehrere Bands mit "Hammer" im Namen kenne. Zum Beispiel Hellhammer, die ja bekanntlich die Vorgänger von Celtic Frost waren, oder Dishammer die irgendwie Hellhammers Sound mit dem von Discharge verbinden (?) oder so sachen wie Ten Ton Hammer oder Nine Pound Hammer. Ja, sowas gibt's. Anyways, worum geht es hier?
"Gloomy Lights" ist das erste vollständige Album von Gallhammer, einer Metal-Band aus Japan - bestehend aus Vivian Slaughter (voc, b), Risa Reaper (voc, dr) und damals noch Mika Penetrator (voc, g). Ich möchte Gallhammer nicht auf ihr Geschlecht reduzieren, trotzdem muss man anmerken, dass es eine relative Seltenheit ist das eine Band von drei Frauen gegründet wird. Zumindest war es damals in der äh Metalszene so. Aber da die drei niemals darauf reduziert werden wollten, steht es jetzt auch nicht zum Thema.
Thematisch betrachtet geht es, laut den Aussaugen der Band selbst um solch finstere Themen wie Wut, Schmerz und Hass. Zumindest wenn man die Songtitel betrachtet, bestätigt sich das. "Endless Nauseous Days", "State of Gloom", "Beyond The Hate Red" und "Color of Coma". Depressive Stille, Finsternis. Was man dann so mitbekommt, wenn man sich das Album mehrfach anhört sind drei japanische Frauen die mit absolut verstörenden Gesang (guttural und absolut geisteskranke Screams) glänzen. Stilistisch bewegt man sich irgendwo zwischen Black Metal, Doom Metal als auch Crust Punk. Tatsächlich hört man die Primitivät von alten Hellhammer-Aufnahmen als auch eine andere Primitivität und Catchyness von britischen Bands wie Antisect. "Gloomy Lights" bewegt sich gekonnt zwischen "uffta-uffta" Crust als auch absolut langsamen, nasty Riffs und völlig verstörenden Gesang der nach krasser Mental Illness schreit. Wie soll man das einkategorisieren? Crusty Depressive Doom Metal. CPDM? Okay, klingt eigentlich gut.
8,5/10 Pfandflaschen
Anspieltipps: Beyond The Hate Red, Color of Coma, Endless Nauseous Days,
Wie der Titel schon verrät: Ein Tribute an eine der Bands die ich in meiner Jugend unfassbar viel gehört habe. Okay, das verrät der Titel nicht aber es geht um die Misfits. Mit dabei sind unter anderem Snapcase, Earth Crisis, NOFX, Pennywise, Therapy?, Prong und Goldfinger. Am meisten haben mir die Varianten von "Last Caress" (NOFX) und "Earth A.D." (Earth Crisis, was für ein Namenszufall lol) gefallen. Oh und die Bouncing Soul'sche Variante von "Mommy, Can I Go Out And Kill Tonight?" (die soweit ich mich recht entsinne ebenfalls live aufgenommen wurde, wie das Original). Was mir insbesondere gefällt ist, dass die Bands nicht bloß versuchen die Songs 1:1 zu covern sondern durchaus den Songs ihre eigene Note verleihen. Bis auf paar Ausnahmen
53. We don't want your fucking war
Ich finde, dass diese Reise durch die Sampler sich durchaus gelohnt hat, weil ich dadurch einen groben Überblick durch verschiedene musikalische Phasen meinerseits kriege. So haben wir einige Crust Punk Sampler, einiges an Horrorpunk und Psychobilly und natürlich auch Tributesampler und politische Musik. So kommen wir hier wieder an bei einem typischen Anarcho Sampler, der nach einer Zeile aus einem CRASS-Song benannt ist. Und naja, es ist relativ durchschnittlich und somit etwas langweilig. Allerdings sind die Bands doch durchaus unterschiedlich - allerdings alle schon zig mal gehört. Dezerter aus Polen bspw. oder UK Subs bringe ich eher weniger mit CRASS-mäßigen Klängen in Verbindung. Broken Bones (eine Band die von einem ehemaligen Discharge-Gitarristen gegründet wurde) mit ihrem Crossover-Thrash auch eher weniger. Jedenfalls ist das okay, aber nicht besonders aufregend.
54. We're A Happy Family
Ein Tribute-Sampler an die Ramones für die ich mich vor mehr als 20 Jahren besonders interessiert habe. Zumindest eine Weile. Damals habe ich mich sicherlich über den ersten Hörgenuss im hiesigen Media Markt gefreut. Heute irgendwie nicht so. Der Sampler ist nicht voll mit Punkbands sondern eher mit Genregrößen, die allesamt die Ramones als Inspirationsquelle nutzten. So haben wir "Havana Affair" von den Red Hot Chili Peppers, "Blitzkrieg Bop" von Rob Zombie oder "Beat on the brat" von U2. Einiges hier geht durchaus klar. Einiges gar nicht. So ist "53rd & 3rd" von Metallica einfach grausam. Ebenso wie der Song von U2. Garbage mit ihrer Variante von "I Just Wanna Have Something To Do" geht hingegen völlig in Ordnung. Naja, es ist wie es ist.
55. Welcome to Circus Punkabilly Vol. 2
Keine Ahnung, woher ich diesen Sampler habe. Vielleicht hat es mir ein bestimmter jemand per ICQ geschickt. Jedenfalls handelt es sich um mehrere eher punkigere Psychobilly-Songs von Bands wie Cenobites, Thee Exit Wounds, Sewer Rats oder Tight Fitting Pants. Weniger Rock'N'Rollig und weniger auf Texte über Zombies und so fokussiert. Stattdessen durchaus punkig und genießbar und irgendwie auch abwechslungsreich. Weil keine Band wie die andere klingt. Trotzdem zeichnet sich hier ein gewisses Muster. Es soll punkiger und weniger psychobilliesk klingen. Ist in Ordnung. Durchaus.
56. Welcome to your Nightmare
Und wieder mal ein Psychobilly-Sampler, der irgendwie einfach da ist. Mit lauter Bands, die mir nichts sagen. Bis auf Klingonz. Swampy's, Brainblastes, Scum Rats..Naja, wer's mag. Es ist ziemlich langweilig und ziemlich beliebig. Mit 12 Songs auch ziemlich kurz.
57. Zensur!
Der letzte Sampler in diesem Ordner. Zumindest wenn es nach dem deutschsprachigen Alphabet geht. Eine Compilation von verschiedensten Künstlern. Es geht irgendwie um Zensur. Natürlich darf das obligatorische "Lied über Zensur" von den Ärzten nicht fehlen aber äh irgendwie auch eine Drum&Bass-Version von Slimes "Der Tod ist ein Meister aus Deutschland" oder "Fick mein Gehirn" von Fischmob. Am allerschlimmsten finde ich J.B.O. mit ihrem Cover von Green Days "Basket Case". "Fick das System" von Die Sterne ist großartig, ebenso wie äh das von Fischmob. Irgendwie. Ansonsten ist das ziemlich anstrengend. Herbert Grönemeyer, Ärzte, Dritte Wahl und Slime auf einem Sampler. Wer hat sich das ausgedacht? Nun, es handelt sich um ein Charity-Sampler für den Comic-Verlag "Alpha Comics", das von einem konservativen Politiker beschuldigt wurde für Kinder ungeeignete Comics rauszubringen. So die Info bei Discogs. Jedenfalls, trotz der guten Sache irgendwie nicht so geil.
Das war mal wieder eine Premiere für mich. Ich hatte nur dieses Logo von dem Typen mit Flöte der auf einem Bein tanzt und ganz viel böses darüber. Irgendwie habe ich das so in meinem Hinterkopf gespeichert, dass keiner diesen Flötensound leiden kann. Ich gehöre jedenfalls nicht dazu.
"Living In The Past" ist eine Compilation von Jethro Tull aus dem Jahre 1972. Sie beinhaltet alle bis dahin erschienen Singles, einige Songs aus bis dahin erschienenen Alben und zwei Live-Stücke. Wenn die Platte nicht gerade eingestaubt ist und die Nadel den ganzen Staub einsammelt, dann springt das ganze Werk nicht, eiert nicht und klingt einfach nur kristallklar. Heiliger Fick, ist das geil. Warum ich habe ich mir noch nie Jethro Tull angehört? Siehe oben.
Es ist irgendwie schwer zu umschreiben. Irgendwie progressiv, so wie viele Bands zu dem Zeitpunkt - gleichzeitig aber seltsamerweise bluesig und irgendwie tanzbar. Vielleicht auf einem Bein, wer weiß.
8/10 Pfandflaschen Anspieltipps: Wond'ring again, Singing all day, Witch's promise
John Mayall:Once Upon A Time (1970)
Wer zum fick war John Mayall und warum habe ich bisher noch nie irgendwas von ihm gehört? Geschweige denn von seiner Zusammenarbeit mit den Bluesbreakers.
Das hier ist (mal wieder) eine Compilation, die bei Polydor rausgekommen ist. Ein Teil einer zehnteiligen Reihe, die verschiedensten Künstlern eigene Compilations gewidmet hat. Zum Beispiel GInger Baker's Airforce, Jack Bruce, James Brown oder eben John Mayall. Die Cream-Compilation stammt ebenfalls aus dieser Reihe.
Ich wusste nicht was mich erwarten würde. Ich dachte vielleicht, es könnte Progressive Rock sein. Dem Plattencover zufolge sieht es ganz schön psychedelisch aus. Was dann tatsächlich auf mich zukam war astreinger Blues(rock). Mit einer höllisch angenehmen Stimme aus Großbritannien, die jedoch durchaus us-amerikanisch klang. Super angenehme Sache, das.
8/10 Pfandflaschen
Anspieltipps: The Laws Must Change, Thinking of My Woman, Night Flyer
Jawoll. Wir sind wieder da angekommen, wo wir vorher waren. Also nicht bei dem Sound von "Living Things" sondern bei Linkin Park der alten Schule. Oder zumindest einen größeren Schritt näher daran.
Obwohl LP bei ihren beiden vorherigen Alben selbst Teil von moderner Rockmusik waren, zeigten sie sich zunehmend enttäuscht. Dies war wohl auch der Grund warum man für dieses Album zurück zum alten Sound wollte. Natürlich ist "The Hunting Party" nicht "Hybrid Theory" oder "Meteora", aber zumindest bietet das Album in gewissen Punkten ähnliche aggressive Energie. Von "elektronischen" geschweige denn Dance-Elementen ist nichts mehr zu hören.
Stattdessen setzt man auf altbekannte Muster: Man fühlt sich in die Ecke gestellt, bedrängt, ausgelacht und gleichzeitig mit der Faust in der Tasche dabei dem Ganzen alles entgegen zu setzen. Dabei hört man sich stellenweise an wie Sum 41. Einige Riffs sind tatsächlich sehr HC/Punk-lastig, was ich niemals erwartet hätte. Chester Bennington geht gesangsmäßig an seine Grenzen. Eine willkommene Abwechslung zu den letzten zwei Alben. Ebenfalls abwechslungsreich ist die Tatsache, dass es hier das erste Mal offiziell Features gibt. Rakim rappt auf "Guilty all the same", Tom Morello (RATM) und Daron Malakian (SOAD) steuern Soli auf "Drawbar" und "Rebellion" bei und Page Hamilton (Helmet) singt den Refrain auf "All For Nothing". Dabei sind "Guilty all the same" und "War" wohl die punkigsten Songs die LP je gemacht haben. Das habe ich niemals erwartet. Vielleicht hat Chester Benningtons Ausflug zu Stone Temple Pilots diese Entwicklung hier mit beeinflusst.
Wie auch immer: Großartiges, abwechlungsreiches, ganz und gar nicht langweiliges Album einer Band die erkannt hat, dass sie langsam in die Bedeutungslosigkeit abdriftet und bereit ist, sich selbst zu retten.
8,5/10 Pfandflaschen Anspieltipps: War, Guilty all the same, All For Nothing
Opeth Discography: Watershed (2008)
Neuntes Album von Opeth. Aufgenommen in einer anderen Konstellation als bisher. Fredrik Åkesson und Martin Axenrot an Gitarre und Drums anstelle von Peter Lindgren und Martin Lopez. "Coil" eröffnet das Werk - es ist ein ruhiges, softes Duett mit Sängerin Nathalie Lorichs. Mikael Åkerfeldt zeigt sich mal wieder von seiner sanften Seite. Man könnte meinen dass es dann so weiter geht und Opeth den Death Metal und Growling komplett hinter sich gelassen haben. Doch dann setzt "Heir Apparent" ein und wir kriegen das, wofür wir hergekommen sind. Growling gemischt mit technischen, vertrackten Riffs aber auch absoluten Shreddern, gemischt mit ruhigeren progressiven Passagen und natürlich auch Cleangesang. Diesmal gibt es kein Albumkonzept im Sinne von irgendeiner erzählten Geschichte.
Stattdessen geht es um persönliche äh Konzepte. Zumindest in "Coil" geht es um eine Trennung und so scheint es auch in den restlichen Songs um persönliche Verluste zu gehen. Dabei bleibt es nicht nur bei einer Trennung, sondern um das Auseinandergehen zwischen zwei Menschen. Ich meine damit, dass jemand sich zwischenmenschlich von jemanden entfernt, indem er sich komplett verändert. Dabei spielen auch Drogen eine Rolle. Auch der (Frei)Tod ist ein Element, dass hier aufgearbeitet wird. Ich habe beim letzten Album gesagt, dass ich nicht weiß was ich dazu sagen soll. Es ist verdammt gut gewesen und ich war mir nicht sicher ob das nächste Opeth-Album auch "gut" sein wird bzw. ob es "besser" sein kann. Weil selbst wenn man die ganze Zeit verdammt gute Musik macht, heißt es nicht dass es besonders innovativ ist. Tatsächlich finde ich nicht, dass Opeth sich hier irgendwie neu erfinden. Es ist trotzdem eine höllisch gute Mischung aus cleanen und gutturalen Vocals, Blastbeats, seichten Melodien. Progressiver Death Metal eben, wie er im Buche steht. Ich habe gehört, dass das hier allerdings das letzte Album ist, dass in dieser Schublade steckt. Soll heißen, dass beim nächsten alle Death Metal Elemente wegfallen. Mal gucken.
8/10 Pfandflaschen
Anspieltipps: The Lotus Eater, Coil, Heir Apparent
Hallo und herzlich willkommen zu einem weiteren "Film der Woche". Ich habe den ersten Teil der "The Decline..."-Reihe vor ziemlich langer Zeit gesehen und konnte mich nicht mehr an besonders viel erinnern. Außerdem habe ich schon mal den dritten Teil gesehen, aber nie den zweiten. Es wird auf jeden Fall Zeit alle drei auf diesem Blog durchzukauen. Wir fangen an mit dem Klassiker von 1981.
"The Decline of Western Civilization" ist ein Dokumentarfilm der zwischen 1979 und 1980 in Los Angeles gedreht wurde. Regisseurin Penelope Spheeris (später bekannt für solche Werke wie "Suburbia" oder "Wayne's World") bekam ursprünglich ein Angebot, einen Pornofilm zu drehen, überzeugte die Produzenten aber etwas anderes zu machen. Gewalt und "extreme" Musik würden ja schließlich (theoretisch) auch ein Publikum anziehen. So drehte sie zusammen mit Kameramann Steve Conant und den Schnittmeistern Charlie Mullin und Peter Wiehl diesen Film hier. Wo der Titel wirklich herkommt, weiß man nicht so richtig. Es geht grob gesagt um die Punk-Szene in Los Angeles zu dem Zeitpunkt. Der Film besteht grob gesagt aus Interviews mit Musikern, Betreibern des Fanzines (und späteren Record Labels) "Slash", verschiedenen Clubbesitzern als auch einigen Fans. Die dabei interviewten Musiker sind die Bands Black Flag, X und The Germs. Dazu kommen noch Live-Auftritte von besagten Bands als auch von der Alice Bag Band, Circle Jerks, Fear als auch Catholic Discipline - der Band in welcher Claude Bussy, einer der Redakteure des "Slash"-Zines gesungen hat.
Die hier interviewten Fans bzw. Szenemitglieder wirken größtenteils wie ziemlich hoffnungslose und traurige Menschen (männlich) oder durchaus kreative aber ebenso traurige Menschen (weiblich). Währenddessen wirken die Bands als würden sie das Leben, was sie haben, durchaus genießen. Es entsteht ein merkwürdiger Gegensatz: Die Bands sind generell ziemlich gut drauf, während die Fans absolut hängen geblieben sind. Darüber hinaus muss man festhalten: Der Film ist ein Kind seiner Zeit. Nämlich der Zeit in der die Punkszene noch nicht fest "geformt" war. Es gab keine Szene-"Regeln" bezüglich Gewalt oder irgendwelchen Werten. So haben wir hier einen 14-jährigen Skinhead namens "Eugene" der sich über Schwarze aufregt und dabei das "N-Wort" nutzt, aber auch berechtigerweise die Gewalt in der Szene kritisiert. Wir haben ziemlich gewalttätige Konzertaufnahmen, von denen Fear-Sänger Lee Ving behauptet sie wären alle während des Auftritts seiner Band aufgenommen worden, bei welchen klar ersichtlich ist dass diese Leute vllt. nur stellenweise Spaß haben aber auch einander weh tun wollen. Meiner Meinung nach ein sehr wichtiges Zeitzeugnis, vor allem für all die Leute die der Meinung sind, dass Punk "schon immer" für einen Zusammenhalt untereinander stand und für irgendwelche progressiven Werte. In erster Linie war die erste Welle des Punk eine Reihe von "Nein"s. Nein zu allen möglichen Formen der Mainstream-Musik, Politik, Art zu Reden, Nein zu dieser Gesellschaft. Daraus schöpft sich auch eine dementsprechend aggressive, negative als auch gewalttätige Attitüde. "The Decline..." ist ein wichtiges Zeugnis dieser Zeit. Es gibt allerdings einen sehr wichtigen Kritikpunkt, der auch von Teilen der hier dargestellten Bands gebracht wird: Der Film wirkt stellenweise wie eine stark überzogene, negative und nihilistische Darstellung der Szene - während es zur gleichen Zeit immer noch sehr viele kreative Köpfe gegeben hat, die wenig mit der hier dargestellten Gewalt zu tun hatten.
Allrighty then. Diesmal sind wir am Ende der Reihe angelangt - und schon in der vorletzten Ausgabe#5 merkt man, dass es bald zu Ende gehen könnte. Aber man muss ja noch einen drauf setzen.
In der fünften Ausgabe kämpft Jason gegen seine von den Toten auferstandenen Opfer, die ähnlich wie in "Evil Dead" sehr äh dämonisch sind und ihm endgültig töten wollen. Freddy Krueger hat nun Fähigkeiten, die nicht mehr nur in der Traumwelt funktionieren. Er ist nun auch irgendwie in der Lage die Realität zu verändern. Mithilfe des Necronomicons würden seine Kräfte allerdings noch stärker werden. Ash schafft es irgendwie das Buch zu stehlen und zu fliehen, wird aber von dämonischen
Bäumen gefangenen genommen und von dämonischen Raben gepiekst. Wieder mal schafft er es allerdings, zu entkommen. Zusammen mit Caroline, die die einzige Überlebende aus dem neuen S-Mart ist, will er nun endgültig die Sache zu Ende bringen und eine Passage aus dem Buch vorlesen, die Freddy und Jason (oder zumindest nur Freddy) endgültig zurück in die Hölle bringt. Da Freddy aber die Realität verändern kann, schafft er es Ash abzulenken und Caroline zu kidnappen. Allerdings taucht in letzter Minute der sichtlich schlauere Jason auf und es kommt zu einem Kampf zwischen ihm und Ash. Letzterer schafft es, Jason den Arm abzuhacken, der sich allerdings in den Stumpf einfach eine Machete reinsteckt. Wie auch immer, Jasons Business ist mit Freddy zu erledigen - sodass er Ash aus dem Fenster des neu erschaffenen Elm Street Hauses schmeißt, dass bald darauf zusammenbricht.
Nun sind wir also am Ende angekommen: Ash ist halb unter den Trümmern des Hauses begraben und bewusstlos. Caroline schafft es, mit dem Necronomicon vor Freddy zu fliehen, der nun eine weitaus dämonische Gestalt hat und fliegen kann. Außerdem kann er Sachen in die Luft jagen. Schließlich ist er beinahe sowas wie ein Gott, der nun die Realität verändern kann. Sein Vorhaben ist: Mithilfe des Buches die Welt komplett zu seinem Gunsten verändern. Kurz bevor er die Worte "Klaatu Verada Nikto" zu Ende vorlesen kann, nachdem er das Buch aus Carolines Händen gerissen hat, wird er von Ash mit einem Auto gerammt. Lange Rede kurzer Sinn, Jason hat immer noch eine Rechnung mit Freddy offen, unterbricht den Kampf Ash vs. Freddy - und wird von mehreren Freddies gepiesackt. Zum Ende hin schafft man es doch, die besagten Worte vorzulesen, Freddy wird in die Dimension der Deadites gesaugt während Jason von durch ein weggeschleudertes Auto unter dem eingefrorenen Crystal Lake begraben wird.
Meine Fresse, ich weiß nicht wie viele Gehirnzellen ich bei der Lektüre verloren habe. Mit Ash haben wir einen tatsächlich heldenhaften Charakter mit großer Klappe, der dafür prädestiniert ist, zu gewinnen. So ist es ein tatsächlich halbwegs zufriedenstellendes Ende. Die beiden Bösewichte sind ähhh weg und der Held verschwindet mit einer neuen Freundin. Ganz richtig, der zu dem Zeitpunkt 35-jährige (und im Einzelhandel tätige, irgendwie fühlt sich das bekannt an) brennt nun mit Caroline durch. Wobei ich keine Ahnung habe, wie alt sie ist. Also mindestens 18 ja, aber trotzdem fühlt sich das ziemlich falsch an. Anyway, keine Ahnung in welchem Franchise das Kanon ist und in welchem nicht/doch/wieder/wieauchimmer. Es hat Spaß gemacht, aber gleichzeitig war es so dumm und stellenweise unglaublich häßlich gezeichnet, dass ich laut auflachen musste.
Ich habe in meinem Leben es geschafft, bisher zwei mal King Dude zu sehen. Einmal im Essener Turock und einmal in der Bochumer Trompete. Beide Berichte könnt ihr unter den Hyperlinks aufrufen.
Es ist fast schon unfassbar, dass bis jetzt kein einziges Albumreview es bis hierhin geschafft hat. Dabei ist die Discography von TJ Cowgill schon äußerst vielfältig und bedarf eigentlich eines ausführlichen Reviews bzw. Reviewreihe. Nun ja, jedenfalls ist "Love" das zweite Album des Seattler Musikers. Seitdem gab es noch neun weitere Veröffentlichungen, die unter anderem beim deutschen Record-Label "Van" rausgekommen sind - das unter anderem Urfaust und The Ruins of Beverast veröffentlicht. Und das von einem Mitglied der letzgenannten Band gegründet wurde, aber ich schweife aus.
"Love" bietet den Zuhörern eine Art Spagat zwischen US-Amerikanischen Folk wie er von Johnny Cash oder Woody Guthrie dargeboten wurde als auch gewissen Bands aus der Neofolk-Nische. Im Grunde kann man das zusammenfassen als "Typ mit tiefer Stimme und Akkustik-Gitarre" sitzt in einem dunklen Raum und singt über schöne als auch nicht so schöne Sachen, hat dabei aber stets die Betonung im Sinn." Ergo geht es zwar auch um den Inhalt, aber die Stimme macht wirklich besonders viel aus. Noch besser wird es, wenn ganz viel Hall unterlegt wird, sodass Mr. Cowgill sich anhört als würde er aus dem Jenseits sprechen - oder wahlweise in einen Tunnel hineinrufen, je nach Interpretation.
Was die Texte betrifft: Es geht um Liebe und den Tod und religiöse Themen. So spricht er in "Don't Want Me Still" über eine verstorbene Liebe, die er nur erreichen kann wenn er selbst eine Todespille einnimmt. "In the Eyes of the Lord" handelt scheinbar von einem Krieg im Namen der Religion. "Spiders in her Hair" ist glaube ich, seit längerer Zeit, das wunderschönste Liebeslied an eine verstorbene Person - oder eine Frau gekleidet im Goth-Stil. Eines der meiner Ansicht nach, populärsten Songs auf diesem Album ist "Lucifer's the Light of the World". Es kehrt das Narrativ aus der Bibel um, nach welchem Gott das absolut Gute und der Teufel das absolut Böse auf der Welt ist. So ist Luzifer derjenige gewesen, der der Menschheit Feuer gebracht hat. Im Song selbst sprechen Adam und Eva über die Rolle Gottes.
Meiner Meinung nach ein fast schon zu kurzes Album. Dafür aber sehr meditativ, mitsingbar, eindringlich und tatsächlich abwechslungsreich dafür dass es relativ minimalistisch klingt. Nur Liebe hierfür.
9/10 Pfandflaschen
Anspieltipps: Spiders in her Hair, Lucifer's the Light of the World, In the Eyes of the Lord
